Helen

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La imagen puede contener: una o varias personas, personas de pie, árbol, texto y exteriorPara quienes están viendo DARK, ya la han comparado con IT y con Stranger Things, yo la compararía también con Twin Peaks y con esta pélícula Helen del 2008, tal vez una de sus inspiraciones no confirmada, en algunos aspectos visuales y argumentales (la chamarra amarilla, el bosque, las desapariciones y el borlote escolar, el ritmo, ambiente, score, etc).

Una chica de 18 años llamada Joy ha desaparecido. A Helen se le pide que ‘represente’ a Joy en una reconstrucción policial que retratará los últimos movimientos conocidos de Joy.

Joy tenía todo. Una familia cariñosa, un novio, un futuro brillante. Helen, sin padres, ha vivido en instituciones toda su vida y nunca ha estado cerca de nadie. Poco a poco, Helen comienza a sumergirse en el papel, visitando a las personas y lugares que Joy conocía; insinuando silenciosa y cuidadosamente su camino en la vida de la chica perdida, buscando a la vez su propia identidad.

La película tiene calidad críptica, no en un sentido convencional de sentido común, sino en cuanto al carácter elusivo de Helen y la naturaleza de la película en sí. Las tomas largas e ininterrumpidas, los grandes silencios y las interacciones moderadas y casi modestas entre los personajes generan fascinación y curiosidad. Es algún tipo de hipernaturalismo. Los actores a menudo están alejados unos de otros, o fuera de la pantalla, o tomados desde atrás, o simplemente para que no puedas ver sus caras. Cuando una policía llega a la escuela para informar a los alumnos de sobre la reconstrucción de la desaparición, la mitad de la escena se ve a través de su reflejo en un espejo.

Algunos de los diálogos son extraños en su naturaleza exposicional, sin embargo, en otros momentos son completamente evasivos. Helen se siente vacía por dentro y su pasado y paternidad están envueltos en el misterio, su vocalización consiste principalmente en declaraciones sordas y murmuradas.

La película está enmarcada por una edición metronómicamente perfecta, desvanece a negro, tomas abstractas de filtrado de luz a través de los árboles y una puntuación ambiental glacial. Recuerda en ocasiones a David Lynch en su diseño (Twin Peaks). Ofrece una visión única de una situación que se abre a múltiples misterios.

Directores: Joe Lawlor, Christine Molloy

 

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Mother!

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Otra historia en la línea de “intrusos incómodos” (Funny Games, The Strangers, Naranja Mecánica, La Habitación del Pánico, Los Bastardos, The Purge 1). Llama la atención que hasta ahora nadie menciona este hecho ya que Mother! es como la culminación de lo reflejado en todas esas películas.

Lo interesante es que admite tantas interpretaciones como espectadores. En una época en que los guiones se caracterizan por tenerle miedo al público, esta película por lo menos se arriesga por uno que pide mucho más que el típico.

Una explicación:

#1 ‘Madre!’ es una cinta inspirada en la Biblia.
#2 El personaje de ‘Madre’ es en una representación de la madre naturaleza.
#3 La casa es el la representación del planeta Tierra, el estudio es el paraíso y el sótano el infierno.
#4 Su esposo, “el poeta” es la representación de Dios. Él es el creador (lo dice al final de la película).
#5 El primer huésped que llega a la casa representa a Adán.
#6 Después de que el poeta le saca la costilla al huésped (literal) por la noche, llega su esposa (Eva) al otro día.
#7 El diamante en forma de corazón es la manzana prohibida, la cual quiebran y por ende, son expulsados del paraíso (el estudio del poeta).
#8 Sus dos conflictivos hijos representan a Caín y Abel, con todo y el asesinato.
#9 El poeta tiene serios problemas de vanidad. Nunca está conforme con el amor y la admiración que le brinda su esposa, siempre quiere más, es por eso que le encanta el hecho de tener fanáticos e invita a más de ellos a su casa.
#10 Los huéspedes destruyen la casa sin importarles la opinión de la madre, ya que el poeta les dijo que eran bienvenidos, justo como los humanos destruyen la naturaleza.
#11 El poeta crea su obra maestra (los diez mandamientos) se la da a su editora (Moisés) y ahí comienzan los verdaderos problemas, ya que todos los huéspedes de diferentes nacionalidades interpretan de manera diferente sus palabras.
#12 Comienzan una guerra dentro de la casa, hay asesinatos, adoraciones y pegan por todas las paredes fotografías de el poeta, lo que representa el fanatismo religioso del mundo.
#13 Madre está muy mal, está lastimada a causa de la guerra, sin embargo el poeta sigue aceptando a los huéspedes destructores y groseros ya que ellos simplemente piden disculpas y él los perdona.
#14 La casa (la Tierra) empieza a venirse abajo con tanta sobrepoblación, odio, guerras y muertes.
#15 La madre da a luz en medio del caos, el hijo de la pareja representa a Jesús, de hecho es el mismo poeta quien lo entrega a sus fanáticos que lo matan y comen de él.
#16 El poeta le pide a la madre naturaleza que perdone a los humanos, pero ella decide ponerle fin a todo y destruye la Tierra.
#17 El poeta utiliza el amor de la madre naturaleza para volver a crear un nuevo planeta, quizá con nuevos humanos, aprendiendo de sus errores.

DARK – Goodbye

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La banda sonora de DARK es de Ben Frost. El mismo de ‘Aurora‘. Pero la canción que está llamando la atención del público es la del intro de la serie (una chulada visual, además) ‘Goodbye’. Se trata de una vieja composición de Sascha Ring aka Apparatt, Moderat, pertenece al último disco de estudio de Apparat hasta ahora, editado en 2011 y grabado en México ‘The Devil’s Walk‘. Un disco excelente, del que se extrajeron varios singles; ‘Ash/Black Veil’, ‘Black Water’, ‘Song of Los’ y ‘Candil de la Calle’, pero no este ‘Goodbye’ que ya ha sido utilizado en varias series. A falta de comprobar si su alcance se hace tan popular, ya es lo más escuchado ahora mismo en Spotify. Se trata de una composición en colaboración con Soap & Skin, la de ‘Lovetune for Vacuum‘. Una buena ocasión, otra más, de conocer la obra de uno de los autores de música electrónica más importantes de los últimos tiempos.

Ready Player One

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Veo decenas de artículos hablando más de las referencias que de la película en sí. Un clásico “a ver quién sabe más”. “En la esquina superior derecha hay una chincheta que salía en la película de Robocop”. Cosas así.

Este tema de la nostalgia por los 80 me está empezando a dar pereza por lo impostado y forzado que resulta. Es en plan “ey ey ¿ya viste la referencia? eh eh?” guiño guiño, codazo codazo. Qué flojera da que a varias series y películas si les quitas los “homenajes” se quedan en un pan sin sal.

El libro ya es así, es entretenido pero no es un gran libro. Se sustenta principalmente en eso, en las referencias constantes a la cultura pop de cine, videojuegos, marcas, etc, Más allá de eso la historia es random, casi una excusa para tirar a la cara al lector mil referencias y la película va a potenciar más todo eso.

Están tomando de los 80 sólo la carcasa, la envoltura bonita, pero efectivamente la mala leche no han tenido huevos de plasmarla. Y menos hoy día donde todo es tan políticamente correcto. Por eso me da hueva este movimiento de nuevos 80, porque suena muy a postureo barato y jalar de lo fácil, para que gente de 30 años en adelante tengamos nuestra dosis de nostalgia.

Película entretenida y palomitera, pinta a diversión y además Spielberg que está detrás cumplirá seguro, pero en verdad si nos paramos a pensar que principalmente el potencial de una película son los guiños a los 80 constantes y CGI, es algo triste.

En el tráiler de 2 minutos ya se han encontrado 45 referencias.

Thelma

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La imagen puede contener: una o varias personas, pájaro, texto y primer planoJoachim Trier, primo de Lars von Trier está desarrollando una interesante filmografía, con sello propio, en la que se enfoca sobre conflictos familiares diversos. Su último trabajo, ‘Thelma’, es una pieza diseñada para crear inquietud y a la vez despertar conciencia sobre el poder de la mente y sus consecuencias -siempre hablando desde una perspectiva fantástica-.

Thelma, una estudiante noruega se muda a Oslo, donde pronto empieza a cuestionar su formación religiosa y se enamora de otra chica. Con el tiempo ella descubre que sus sentimientos desencadenan poderes inexplicables.

El film ha sido elegido para representar a Noruega en los Oscar.

Equilibrium

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BhpaNV89jD7HkLvHSoK-caa4ClAEsta película es un rip-off inspirado en Fahrenheit 451, 1984, THX-1138, Matrix, Brasil, Dark City y Blade Runner… A pesar de que es un puré de cada película de “hombre contra sociedad futurista opresiva”, se las arregla para tener algo de originalidad sobre sus inspiraciones (la eliminación de emociones en la sociedad). Preston (Christian Bale) es un oficial “clérigo” tan hábil que resulta un oponente casi invencible. Su fallo como combatiente ocurre una vez que se entrega a la emoción. Esto está muy bien relacionado con el consejo común de los senseis en artes marciales: la emoción disminuye la eficacia en el combate.

La historia y el mensaje de la película son claros. La acción es fresca, legible y algo emocionante, aunque inferior a lo que hemos visto en Matrix.

La atmósfera está claramente definida, el diseño de producción es imponente. Visualmente todo es tan austeramente pulido que a veces se asemeja a un video clip o comercial postmodernista.

Después de un breve inicio orientado a la acción, es básicamente una película filosófica que pretende ser compleja. La transición de género a género es fina, sin embargo, está cargada de inconsistencias en la trama.

Una sociedad futurista debería ser bastante tonta como para creer que el arte puede conducir de alguna manera a una guerra. Hay una estatua, así como arquitectura elegante en la sede de las personas que prohíben obras de arte.

Es estúpido asumir que una cultura basada en tomar una droga cada mañana es una idea segura o factible. No tiene sentido para una sociedad sin emociones, aún ser capaz de relacionarse, elegir un cónyuge y procrear hijos.

No hay razón para que los ciudadanos aleatorios se reúnan en una plaza para ver a un tipo en una pantalla gigante dando un discurso, reforzando lo que ellos ya saben (para comunicárselo al espectador), pero bueno, eso se ve muy Nazi y seguramente esa era la intención.

Se diseña un estúpido cuadro de personajes con emociones que no hacen nada significativo, sólo aparecen en cuartos con pinturas, discos y libros de poesía.

Tenemos además a los policías que son atacados por Preston, simplemente se quedan ahí de pie sin hacer nada mientras esperan su turno para tener su culo pateado y mueren cuando los cristales de sus cascos se rompen. Siendo que probablemente serían lo suficientemente inteligentes y avanzados como para tener un plexiglás a prueba de balas. El Gun-Fu no tiene mucho sentido en cuanto a su practicidad, pero se ve impresionante ¿no?

La inestabilidad en la historia da risa, por ejemplo; habiendo encaminado a Preston en una trampa y tomado su arma, nadie piensa en buscarle cualquier otra cosa escondida, el tipo lleva armas en abundancia y munición de repuesto, así como un complicado mecanismo de recarga en las mangas. Lo bueno es que nadie le estrechó la mano. Ésa es la idea de la película de un “giro de tuerca”: un desarrollo tan inverosímil, por lo que es increíblemente improbable que no sea un insulto para cualquier espectador inteligente. La risa, de hecho, es la única respuesta realista a la mayoría de las escenas, aunque sólo sea para amortiguar la comprensión de que tu tiempo está siendo desperdiciado.

Sí, sé que varias cosas en la película pueden ser sólo una metáfora, una alegoría y diseño de arte para que todo se vea bien sin importar mucho la lógica, lo sé, pero en pocas palabras… Es increíble que esta película se haya hecho, no siendo nada más que un derivado de ideas ya realizadas, con sólo una propia para justificar su existencia (lo de la eliminación de emociones).

Bale merece mucho crédito por la forma en que levanta la película. El sentimiento de peligro personal se construye maravillosamente. La habilidad especial de Preston como clérigo, es su capacidad para anticipar los hechos, lo que hay detrás de una pared, lo que su enemigo está pensando. En otras palabras, sentido común. Esto lo hace sospechar. Hace un buen trabajo representando a un hombre casi inexpresivo que pone su propia liberación en movimiento a través de un simple accidente. Pronto es golpeado fuertemente por las emociones que nunca se ha permitido sentir y que no se atreve a expresar. Su actuación vale la pena el precio, al verlo escuchar música por primera vez,  sentado viendo a sus hijos dormir hasta tarde o al someterse por primera vez a una prueba de polígrafo. Cuando empieza a ser consiente de los acontecimientos en su vida personal, uno puede sentir el impacto horrible que le provocan por sus expresiones faciales y en los cambios más minúsculos en su lenguaje corporal, hasta que finalmente explota.

La película funciona en cuanto a  su representación de cómo opera la naturaleza humana realmente. El corazón humano no puede tener un equilibrio perfecto. La mejor ciencia-ficción no siempre es acerca de tecnología. Recomendada para quienes buscan rarezas, Equilibrium es un pequeño clásico silencioso –poco conocido- y bizarro.

Año: 2002
Director / Escritor: Kurt Wimmer
Reparto: Christian Bale, Sean Bean, Emily Watson

Gone Girl

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Gone-GirlHe visto algunos listados de películas gore donde colocan erróneamente a ‘Gone Girl’, sólo por una de sus escenas, la única con sangre en toda la película. Lo mismo ocurre con ‘Audition’ de Takashi Miike, que es un drama o romance, pero está clasificada como terror-gore por una escena particular, la cual incluso es ficticia (sólo una pesadilla) dentro de la historia. Así que fue la melcocha, en primer lugar, lo que me motivó a verla. Gone Girl es un thriller sobre un asesinato, basado parcialmente en el caso real de Scott Lee Peterson, declarado culpable del asesinato de su esposa y de su hijo no nato. Un caso que predominó en los medios estadounidenses durante varias semanas. Pero resulta que el gore es meramente anecdótico.

La historia tiene muchos cabos sueltos y argumentos poco creíbles, está repleta de dispositivos de trama artificial y deus ex machinas que sirven sólo para avanzar líneas de argumentos sin sentido (muy parecido a lo que hace Dann Brown). Es cambiante y tiene cosas “inesperadas”, inesperadas porque son absurdas. Los agujeros de la trama son enormes, se requiere hacer un esfuerzo por creerse la película. El único punto en el que es realista es en su representación de los medios de comunicación y de cómo se deleitan en la tragedia y la perversión.

Lo que Gone Girl hace bien, es entrar en la psique de la audiencia con respecto al matrimonio, y la ideología detrás de una institución sagrada que está corrupta. Tiene un montón de giros y vueltas que mantienen el interés, no sólo por adivinar la verdad sobre el asesinato, sino las intenciones de cada personaje. El diálogo es nítido, los personajes son de múltiples capas y tiene buenas actuaciones y frases. Cada plano está meticulosamente planificado, cinematográficamente es magnífica. El score de Trent Reznor y Atticus Ross, bien como siempre.

Es una mezcla de cosas buenas y malas. Habiendo escrito esto, estoy tratando de destacar lo que tiene de bueno, y aparte algunos valores de producción decentes, pero tengo problemas sobre si recomendarla al público general, creo que es una película de visita obligada para quienes gustan del cine. Es definitivamente entretenida, pero poco convincente, el final puede ser frustrante, alegórico a lo que algunos viven a diario de forma menos intensa.

Año: 2014
Director: David Fincher
Escritores: Gillian Flynn (screenplay / novel)
Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris

Ghost In The Shell (2017)

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El cyberpunk no encuentra un buen vehículo de expresión. Como adaptación se toma libertades con su material de origen, lo cual es bueno, ése es el chiste del cine. En este caso funciona en algunos puntos, pero en otros es sumamente cursi, hilarante, y no consigue dejar esa imagen de producto ya visto, que tampoco aprovecha el factor distópico y filosófico para sumar a su causa un valor agregado. Minimiza todo a una clásica historia de acción, venganza y… ¡romance! Potenciada por efectos visuales estridentes.

Resulta curioso que se haga un sentido homenaje a Takeshi Kitano, pocos sabrán aislar esto como contenido extra digno de ser celebrado. El único personaje prominente que habla japonés en Japón: una ciudad llena de mujeres en ropa tradicional y pescado holográfico koi nadando alrededor de los edificios, pero poblado en primer plano por occidentales de habla inglesa.

Es imposible tener una historia sobre la identidad, ignorando y borrando las identidades en su núcleo. Ghost in the Shell es una historia sobre la identidad, tanto individual como social. La película llega a su pregunta central -lo que significa ser humano- casi de inmediato, pero no sólo no responde, ni siquiera realmente explora las preguntas que plantea, sino que también desvirtúa una historia sobre la identidad, excluyendo en gran medida a la gente de la que se trata. Eso es un fracaso crítico, y uno que no puede ser rectificado por los apantallantes robots geisha. Esta película se une al montón de bluckbusters, sin ser trascendental, lo que podría haber sido evitado si hubieran dejado de lado algunos de los clichés de Hollywood (casting principalmente).
La ciudad se ve demasiado “pulcra” y sobrecargada de elementos que se ven forzados y fuera de lugar, salvo algunos escenarios que seguramente son locaciones reales de Hong Kong, en las que si se percibe la sobrepoblación, contaminación visual, decadencia y polución, retratados originalmente por Mamoru Oshii.

Realmente esperaba escuchar el tema de Ghost In The Shell de Kenji Kawai en algún momento, esto ocurre hasta los créditos finales 😦 Parece que se pone de moda esto de poner la canción emblemática hasta los créditos.

No se puede pasar por alto el esfuerzo de los actores, entrenados a tal efecto para lucir lo más cercanos al anime, ni cómo los escritores se las tuvieron que ingeniar para adaptar la historia y justificar su casting. Hay varias escenas buenas que rinden homenaje al original, incluyéndo algunos aspectos del segundo anime como la inclusión de la Doctora Hallaway, la geisha robot, y la sabueso de Batou. También resulta curiosa y grata la participación de Juliette Binoche.

La recomiendo a todo aquel que disfrute del cine como un espectáculo no demasiado complejo, la clave está en dejar la mente en casa y hundir la mano en el cubo de palomitas rancias, mientras el resto, seguimos soñando con ovejas eléctricas.

Elephant

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Título: Elephant.   Calidad: Segunda generación. Propiedad de VERTIGOFILMS.Dirigida por Gus Van Sant en el año 2003. Este drama de 80 minutos, basado en una historia real, aborda la masacre sucedida en Estados Unidos en la escuela secundaria de Columbine. La película narra, parcialmente, la vida del grupo de estudiantes de la secundaria. quienes posteriormente protagonizan la masacre del colegio.

 

 

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Recoil : ‘A Strange Hour In Budapest’

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recoil strange hour budapestEn conjunción con Umatik y Shunt, se realiza esta película concierto de 84 minutos completa en Blu-ray.

‘A Strange Hour’ se presentó en 2010 y 2011 en 52 ciudades de todo el mundo como parte de la gira de los “Selected Events”para celebrar los 25 años del proyecto Recoil. Dirigido y editado por Attila Herko. Sigue leyendo

V/H/S Viral

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VHS-VIRAL_FINISH-27x40_halfsize-691x1024Una persecución de la policía tras un desquiciado conductor de un camión de helados, capta la atención en la mayor área de Los Ángeles. Decenas de adolescentes acuden a las calles con sus cámaras de video y teléfonos celulares, empeñados en capturar el momento para subirlo a youtube. Estos camarógrafos aficionados obsesionados con la fama, terminan siendo ellos mismos los protagonistas del próximo vídeo viral, uno donde se muestran sus propias muertes.

Es la tercera parte de la serie de películas V/H/S. Esta ofrece una antología con tres cortometrajes y una historia central que envuelve a las demás. Cuenta la historia de un tipo obsesionado con grabar un video que se haga famoso, así que cuando ve en las noticias que alguien va conduciendo un camión de helados alrededor de la ciudad (matando gente), decide perseguirlo para grabarlo. En la furgoneta hay un montón de vídeos potencialmente virales, que contienen cada uno sus propias historias de terror. Los tres videos centrales cuentan las historias de un ilusionista demente que obtiene un objeto mágico de gran poder; un inventor de una máquina que abre una puerta dimensional a un mundo paralelo; y un grupo de patinadores adolescentes, que sin quererlo se convierten en blanco de un ritual de culto a la muerte en México. Hay un cuarto segmento adicional que comienza después de los créditos finales. Sigue leyendo

Whiplash – “Si no tienes talento acabarás tocando en una banda de rock”

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whiplash-posterAndrew Neiman (Miles Teller) es un joven y prometedor baterista de jazz que se matricula en el conservatorio de música Shaffer, en Nueva York, considerado el mejor del país. Allí, Andrew se encuentra con una competencia donde sus sueños de grandeza son asesorados por Terence Fletcher (J. K. Simmons), un perfeccionista y abusivo director de orquesta que no se detiene ante nada para obtener el máximo potencial de sus estudiantes.

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The Taking of Deborah Logan

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taking-of-deborah-loganCada año salen muchas películas independientes con el formato de falso documental de terror -uno de mis favoritos- pero la verdad es que pocas valen la pena. Afortunadamente, siempre hay quien hace las cosas bien, con cierto grado de creatividad y profesionalismo.

La Posesión de Deborah Logan no es el hilo negro de nada, pero consigue varios momentos notables para el cine de terror. Las actuaciones son bastante fuertes. La historia, aunque tiene varias inconsistencias, cumple su cometido que es aterrorizar al espectador. Las escenas que implican a Deborah se quedan en la mente, son algunas de las imágenes espeluznantes más potentes que se verán en este tipo de cine en bastante tiempo. Sigue leyendo

Her (Ella)

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Her-716403893-largeEl amor es un asunto infinitamente complejo. Las leyes de interacción y afectividad jamás son estáticas, sino que, evolucionan con el paso de los años. No debe extrañarnos que las emociones románticas, alcanzando un nivel paradigmático excesivo, sean capaces de romper barreras físicas y orgánicas que durante años se consideraron insalvables.

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La tecnología

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comidaMe gusta ver a la gente tomando fotos de su comida, a mi también me gusta tomar fotos. Siempre hay alguien que trabaja duro en la cocina y se esfuerza en preparar bellamente los platillos, regularmente las personas se sumergen de forma inmediata a comer y arruinan esa imagen. Tomamos fotos para preservar los recuerdos, si yo fuera chef estaría clavado en Instagram publicando mi trabajo. Las fotos de comida son una forma de celebrar el trabajo duro de alguien, que es generalmente temporal. Si estoy con alguien que le toma fotos a su comida, no le molesto hasta que haya terminado, son solo unos pocos minutos, se puede esperar a que alguien lleve a cabo un pequeño acto de creatividad.
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Lost In Translation

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Lost_in_Translation“Debo irme, pero no dejaré que eso se interponga entre nosotros”.
— Bob. *

Pocas películas te hacen pensar mucho después de que terminan. Eso está bien. Muchas sirven solo para entretener y lo hacen sin necesidad de siquiera una onza de razonamiento. Es triste que algunos prefieran sus películas -y sus vidas- de esa manera. ‘Lost in Translation’ tiene que ver con el pensamiento y las emociones. No es solo una película romántica. Es toda una experiencia humana. Sigue leyendo

A nadie le interesa tu banda

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garagebandSiempre he pensado que cuando una banda independiente tiene éxito masivo, casi siempre es porque su música es buena, entonces salen sobrando los textos que la banda haya escrito para ensalzarse, así como los logros y trayectoria de sus integrantes o incluso la cantidad de páginas que hayan hecho en internet para exponer su trabajo. Cuando la música tiene calidad suficiente, eventualmente es reconocida y entonces sí que es tiempo para hablar de una banda a detalle.

El siguiente ensayo menciona algunos desaciertos que cometen las bandas independientes, al crear sus páginas en Wikipedia. Se enlistan las razones más comunes por las que son eliminadas esas páginas. Por supuesto, no todo en la música es aparecer en revistas, periódicos, televisión o en importantes portales de internet. La música es un arte, la atención debe enfocarse principalmente en la creación musical. Ésta información puede servir simplemente, para aclarar tus objetivos, o como guía para afinar detalles sobre cosas que estés haciendo para dar a conocer tu proyecto, es decir, hacer mejor las cosas si te vas a tomar en serio lo de tener una banda. Aunque no te interese el éxito masivo, vale la pena estar cierto, de que las bandas deben tener una identidad propia e ideas bien estructuradas y fundamentadas.

A nadie le interesa tu banda.

Hay un gran número de temas sobre los que nadie se preocupa en Wikipedia, como es el caso de las bandas nuevas -de garage- o desconocidas. El 25% de las nuevas páginas creadas en dicho portal son acerca de alguna de estas bandas. Éstas páginas son creadas por editores de todo el mundo, los artículos son escritos muchas veces por la propia banda y generalmente comparten varias características: Sigue leyendo

Ojo de Vidrio – Los números de 2013

Resumen del año de mi blog; fue visto alrededor de 5700 veces, desde 51 países, el artículo más leído fue el de Gummo. Gracias a los compas que se paran por aquí, espero seguir con este pasatiempo.
Click en la imagen para ver el informe completo:

Ver informe 2013

Aquí hay un extracto:

Un tren subterráneo de la ciudad de Nueva York transporta 1.200 personas. Este blog fue visto alrededor de 5.700 veces en 2013. Si fuera un tren de NY, le tomaría cerca de 5 viajes transportar tantas personas.

Haz click para ver el reporte completo.

La Purga

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the-purge-poster¿Algunas personas evitan matar a otras sólo por la culpa que eso genera, o simplemente no lo hacen por el castigo que conlleva? Los seres humanos somos inherentemente violentos y asesinatos ocurren todos los días. Por lo tanto ¿Por qué no tratar de regular esa violencia? ¿Qué harías si pudieras cometer impunemente cualquier crimen durante una noche cada año? Sigue leyendo

Breaking Bad, Volviéndose Malo

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breaking-bad¿Cómo te despides de algo que te ha marcado para siempre? ¿Qué vas a hacer los domingos sin Breaking Bad? El síndrome de abstinencia que se esparce como enfermedad contagiosa sobre legiones de fans, no cesa desde la transmisión del episodio final, cuando la obra maestra del escritor, director y productor ejecutivo, Vince Gilligan, marcó con letras de oro un verdadero hito en la Historia de la televisión contemporánea. Sigue leyendo