Sicario: El día del soldado

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42926019_822950701208890_5946170513784045568_nSi estás leyendo esto porque la recta final de Sicario 2 te ha sorprendido, para luego decepcionarte, éste es tu lugar, acompáñame a leer esta triste historia.

Cuando uno ve una película de este tipo, uno no espera que tenga una dirección sobresaliente y propositiva, ni buena fotografía, ni que el score lleve dotes de genialidad, vaya, no se espera ni siquiera que la historia sea tan buena. Lo que uno busca, únicamente, es desconectar el cerebro dos horas y ver disparos y explosiones.

La primera Sicario entregó más de lo que se esperaba de ella en todos esos rubros, por eso fue tan buena. Y todas las virtudes de la primera, se extrañan en la segunda parte.

No es mala pero –casi– mejor que no la hubieran hecho. Las comparaciones siempre son injustas, pero inevitables; la primera Sicario contaba de forma diferente la lucha (o mejor dicho, el pulso) entre el gobierno de EU y los narcotraficantes mexicanos. Su director Denis Villeneuve (Incendies, Polytechnique, Blade Runner 2049) ya estaba consagrado como narrador ejemplar de los más lúgubres paisajes humanos. La fotografía de Roger Deakins, la música de Jóhann Jóhannsson, buenos actores, un final duro y seco, sin concesiones, consiguieron que la historia lindara en varios géneros, convirtiendo una simple película de acción en cine de arte.

La historia de Sicario 2: El Día Del Soldado, no tiene sentido. Es como la de muchas películas típicas y series de operaciones secretas. Los personajes de Matt (Josh Brolin) y Alejandro (Benicio Del Toro), tan bien definidos en la primera parte, aquí dan el giro clásico al sentimentalismo que los hace vulgares. El director está más pendiente de llamar la atención sobre sí mismo, que de relatar una historia que se justifique a sí misma. No aporta absolutamente nada nuevo a la primera Sicario, la cual está bien hecha, entre otras razones, porque no fue pensada como una franquicia, es autoconclusiva.

El guión, de original deriva en inaudito y cuando no, simplemente en surreal; polleros y narcotraficantes aliados con terroristas islámicos y bombarderos suicidas. La escena para introducir al personaje de Alejandro, poniendo un letrero que dice que están en Colombia, cuando es evidente que se encuentran en el Centro de la Ciudad de México; se alcanzan a ver nombres de calles, arquitectura conocida, anuncios de la Torre Latinoamericana y del Palacio de Bellas Artes en los teléfonos públicos. Más adelante, durante la escena del secuestro -ya ubicados ahora sí en la Ciudad de México y de nuevo en el Centro- hay una toma aérea de la escena, donde es notorio que no se trata de la misma calle, parece un set prefabricado, totalmente distinto.

Recuerdo que en la primera película grabaron escenas en Ciudad Neza, Estado de México -muy cerca de donde vivo- y en el bordo de Xochiaca. Luego, en el filme, decían que eran escenas en Tijuana y en la frontera, y la verdad es que era creíble, fue una genialidad. En Sicario 2 nadie se preocupó de la continuidad, ni de cuidar esos detalles.

También tenemos esas dos muertes, que no son, pero que deberían haber sido. Alejandro muere y punto. Escena dura, ruin y real. Una muerte nada épica, como son en ese mundo del narco… pues no. No me voy a extender en esto pero, contra las leyes de la razón y de la física deciden resucitarlo.

La otra: Isabel debía morir, porque Matt la pega un puto tiro a su captor a un centímetro de su rostro. Tú lo viste, yo lo vi. Le ordenaron hacer limpieza, borrar a todos. Fin… Pues no, magia, también resucita y sin un solo rasguño.

Si se hubieran ahorrado esas dos “resurrecciones” estaríamos ante una película que, aun estando muy lejos de ser perfecta, sería mucho más creíble y respetable.

Luego hay más abismos en el guión, como la emboscada de la policía en el desierto, misma que nadie explica. Alejandro, llega a los coches abandonados en cuestión de minutos, con paso renqueante y con un tiro en la cara. El tal José Reyes, jefe supremo de los narcos, asesino intelectual de la familia de Alejandro, padre de la niña secuestrada, a quien todo mundo busca y quien se menciona durante toda la película, nunca aparece en pantalla ni se escucha de lejos.

Finalmente está el Miguel, quien se baja arrepentido de la camioneta de malandrines, solo para aparecer un año después todavía más malote y lleno de tatuajes. Otra cosa más sin sentido ¿Para quién trabaja, si todos sus “colegas” están muertos? ¿Y no que se había arrepentido? Pero eso sí, será reclutado por Alejandro muy al estilo Nikita.

Las acciones se pasan de lo real a lo fantasioso y la credibilidad de lo expuesto se cae al suelo. Las resoluciones parecen más dignas de alguna saga que fusiona géneros de súper héroes con narco series. Mientras que las subtramas pasan a un plano tan lejano que no se reconocen ni encuentran un desenlace. No consigue ideas a las que otorgar algo de frescura o impregnar al relato ese destello narrativo tan carente en el cine de género.

El resultado se consigue a medias. Benicio Del Toro vuelve a dar cátedra de actuación. Gran fotografía. El score mejora al final. La película entretiene de principio a fin, es cumplidora, chicharronera y magnificente aunque con muchos peros. No es una secuela digna, es inferior. No parece una continuación, sino una película diferente, más digerible, una de acción con todo y moraleja.

Sicario: El día del soldado. 2018. Estados Unidos.
Director: Stefano Sollima
Reparto: Benicio del Toro, Josh Brolin, Matthew Modine, Catherine Keener, Isabela Moner, Jeffrey Donovan, …
Guion: Taylor Sheridan
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Dariusz Wolsk
Género: Thriller. Acción. Crimen. Secuela

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Mandy

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42627579_820541598116467_4098760738808528896_n (1)Mandy, 2018, Estados Unidos. Dirección: Panos Cosmatos. Música: Jóhann Jóhannsson.

Red (Nicholas Cage) es un leñador que vive alejado del mundo junto al amor de su vida, Mandy (Andrea Riseborough). Un día, mientras da un paseo abstraída en una de las novelas de fantasía que suele leer a diario, Mandy se cruza sin saberlo con el líder de una secta que desarrolla una obsesión por ella. Decidido a poseerla a cualquier precio, él y su grupo de secuaces invocan a una banda de motoristas venidos del infierno que la raptan y, en el proceso, hacen añicos la vida de Red. Decidido a vengarse y equipado con toda clase de artilugios, pone en marcha una matanza que deja cuerpos, sangre y vísceras allá por donde pasa.

El control que tiene Cosmatos de sus recursos estilísticos es orquestal, incluso si el contenido de la historia es alegremente cutre. ‘Mandy’ tiene muchos elementos alocados.

El estilo visual, lleno de experimentos psicodélicos, tinting y toning que llenan la pantalla, algo de surrealismo y gore. Cosmatos se compromete a la experiencia visual y sonora. Gran y valiosa banda sonora de Jóhann Jóhannsson. La música y el sonido son más que protagonistas. Una pena tener que despedir para siempre a Jóhannsson (DEP).

La estética de ambientación a los 80, ayuda mucho en este viaje que más parece una pesadilla de acción de la vieja escuela. A su extraña manera, es extraordinariamente satisfactoria. Una dosis asombrosa de psicodelia y locura. La sobrecarga estilística eleva a la película por encima de las limitaciones de las fórmulas narrativas que utiliza. La primera hora es lenta y se podría decir que psicodélica. La segunda mitad pisa un territorio que te hace pensar ‘no me puedo creer lo que estoy viendo’.

Después de ochos años, Cosmatos vuelve a dirigir, desde aquella penosa ‘Beyond The Black Rainbow‘, y nos ofrece una de las mejores películas de medianoche de los últimos años. Un producto oscuro y estimulante, macabro, una fotografía que te pone en completa inmersión y a merced. Bien por Nicolas Cage y todos los actores.

El guión es simple, pero los recursos que utiliza para narrar son magníficos, y convierten un crapeado cliché en arte, eso es muy difícil de conseguir. No es un cine convencional, y eso es refrescante, verla puede ser un ejercicio agotador, aunque agradecido.

Online: https://ok.ru/video/1034420095603

El Premio

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42713246_821410751362885_401827712760545280_nDirección / guión: Paula Markovitch, México, 2011. Música: Sergio Gurrola. Fotografía: Wojciech Staron.

Reparto: Paula Hertzog, Sharon Herrera, Laura Agorreca, Viviana Suraniti.

El mar pasa por debajo de mi casa. Mi perro le ladra a las olas como si fueran otros animales como él. El mar está loco y las olas tienen muchas hermanas. Las gaviotas gritan porque tienen miedo de caerse.

Por la ventana veo cómo el mar se lleva otra casa de un balneario que está cerca. El mar no me da miedo. Es gris y amarillo. ¿Por qué será que todo el mundo cree que el mar es azul?

El mar se lleva las ventanas y la puerta. Tengo ocho años y no le tengo miedo, al contrario. Cuando hay creciente es mejor porque puedo jugar a los piratas.

El mar se lleva el techo. Se lleva una mesa y tres escalones. Si la creciente es muy fuerte, podría deshacer mi casa también, aunque es más grande que la otra, pero también es de madera, como todos los balnearios de San Clemente.

Hay un perro famélico que a veces anda por la playa y arrastra una pierna, unos milicos le dieron un balazo nomás para practicar tiro al blanco. Cada vez que lo veo me acuerdo de mi prima. Me pregunto si a mi prima le habrá dolido cuando la mataron.

No sé por qué, pero sé, que un día el mar se va a llevar mi casa. Y no va a quedar nada, ni los platos, ni mi ropa, ni mis padres. Me voy a quedar sola en medio del viento, sin zapatos, ni techo, ni mesa, ni perro. Sucederá, pero yo no le tengo miedo a nada.

Mejor jugar a los piratas, aprovechando que hay creciente y la casa se parece a un barco. Mi mamá tiene tanto miedo. Yo no.

El mar se lleva una puerta y la hace pedazos.

2012: Premios Ariel: 4 premios incluyendo Mejor película. 10 nominaciones
2011: Festival de Berlín: Oso de Plata – Contribución artística sobresaliente
2011: Festival de Mar del Plata: Selección oficial largometrajes a concurso
2011: Festival de Morelia: Mejor película

Online: https://youtu.be/vmpywJGZ9Pc

Campeones

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42885028_821932537977373_3060196711302430720_nCampeones.
2018. Duración: 124 min. España. Dirección: Javier Fesser.
Comedia. Discapacidad. Baloncesto.

Marco, un entrenador profesional de baloncesto, se encuentra un día en medio de una crisis personal, entrenando a un equipo compuesto por personas con discapacidad intelectual. Lo que inicia como un problema se convierte en una lección de vida.

Divertidísima, retrata a personas que destilan humanidad, dignidad y generosidad. Sortea peligros como el ternurismo. Es una película extraña. En el buen sentido.

Los temas delicados y la comedia son dos características del cine de Fesser. Llega a los límites de un humor al que resulta imposible no sucumbir, a pesar de que seamos conscientes de la manipulación emocional. Es un emotivo retrato de nuestra discapacidad social.

Fesser aborda a unas personas (que no personajes) que se comen toda la pantalla sin necesidad alguna de ser actores profesionales. Sabe dónde colocarlos y cómo hacerlo. Es una buena muestra sobre cómo hacer cierto tipo de cine. No llega a ser ridícula, ni cursi, ni pedante, ni ñoña. No trata tampoco de engañar al espectador, ni meter una moralina en cada escena que la desvirtúe.

La valoro alto porque entrega todo lo que busco en una historia. Me sumergió en una emoción permanente, me hizo pensar al mismo tiempo que me botaba de la risa. Me ayudó a desconectarme y no me soltó ni un segundo durante dos horas.

El pianito y la música de fondo me sobran, así como la historia de pareja; mucho lugar común, fórmulas narrativas propias de Hollywood, pero…son muchas más sus virtudes. Obviamente el protagonista y todos los maravillosos actores secundarios. Un sentido del humor negro, blanco y marciano. Y aunque el mensaje es simple, conviene recordarlo de vez en cuando. Llega hasta el punto de querer salir a enmendar nuestros errores, mayores o menores, pero que todos de un modo u otro hemos cometido con quien es diferente a la mayoría y no hemos sabido ni aceptar ni apreciar.

Ideal para ver en familia.

Online: https://powvideo.net/upqplhum9r4z

Stalker

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36943768_754274598076501_3006052953409716224_nSalker (en ruso, Сталкер), es una película soviética de ciencia ficción de 1979 dirigida por Andréi Tarkovski. Está basada en el libro Picnic Extraterrestre de los hermanos Arkadi y Borís Strugatski.

La película describe el viaje de tres hombres a través de un lugar postapocalíptico conocido como «La Zona», donde buscan una habitación que tiene la capacidad de cumplir los más recónditos deseos de una persona. El Stalker, guía a los otros dos hombres: el Escritor, y el Profesor.

En un país no especificado surgió una zona (llamada «zona de aterrizaje» según el libro) en donde corría el rumor, entre otras cosas, de que había caído un meteorito o había habitado sobre el lugar una civilización extraterrestre. La zona fue evacuada, cerrada y se encuentra resguardada continuamente por un fuerte cerco militar. Todo esto porque la mayoría de las personas que entraba a la zona no regresaba nunca.

Sin embargo, algunas personas, los stalkers, se dedican a llevar gente a la zona. El afán del Stalker es que los guiados libren los obstáculos, tengan fe, se encuentren a sí mismos y pidan su deseo profundo, no el superficial que se formula de palabra. Él no pide nada para sí. Le basta con llevar hasta allí a los desesperados. La jornada concluye, y él regresa a casa agotado, entre la comprensión amorosa de su mujer y los poderes telequinéticos de su hija mutante, un heraldo.

Es casi imposible ir sin un stalker, pues la Zona es casi únicamente naturaleza, y esta cambia a cada instante y sin previo aviso. Pero, ¿por qué la gente desea ir a un lugar en donde tiene posibilidades de acabar muerto? En la Zona hay una casa abandonada, en donde hay un cuarto en el que se cumplen los deseos de la gente que logra llegar hasta ahí y la mayoría de la gente que va es gente desesperada que busca la felicidad.

Este filme nos muestra la estética de Tarkovski con tomas largas, intensamente elaboradas, intercaladas con diálogos y poemas filosóficos. Ha sido considerada como una de las mejores películas de la segunda mitad del siglo XX. Tarkovski fue haciéndose consciente de las tesis cinematográficas de Vertov, según las cuales el cine es un arte que goza de su propia autonomía con respecto a otras artes como la fotografía, la música o la literatura.

Este proceso se fue plasmando progresivamente en sus películas, de modo que cada vez más las imágenes se desvinculan de una referencia exterior como pudiera ser una trama narrativa, o un relato mitológico, es decir, su cine cada vez se hace más autorreferencial; la fotografía, los planos, la dirección de actores, los sonidos rítmicos (que no sólo música) señalan más a sí mismos que a otra cosa, a sus propias condiciones de posibilidad dentro de la articulación conceptual que supone el montaje de una película.

¿Por qué procedió de este modo el ralizador ruso? Lo hizo porque asumió que esta especificidad cinematográfica debía de verse reflejada en ceder al espectador la obligación de construir él mismo el propio contenido semántico de las imágenes, y eso es, pienso, a lo que se refería Tarkovski cuando hablaba de “lo absoluto en la imagen”. Uno siente verdaderamente la necesidad de construir el contenido de Stalker en su interior cuando la ve, por eso, él se zafa de la posibilidad de haber hecho una película, sensible de error o acierto, sino que elabora la vía para que nosotros la terminemos de realizar en nuestro interior (¿stalkear?).

En este sentido, no realiza globalmente una película, sino que anima a los espectadores a que haga cada uno la suya; en esto radica para el realizador soviético la auténtica sinceridad que todo artista ha de tener para con la obra de arte, la de no involucrarse únicamente él en la misma.

Es una película hermosa y vibrante, pero entiendo que a la mayoría le resulte aburridísima. A Stalker no se llega a través de su innegable perfección técnica o en la búsqueda de sus muy diversas interpretaciones metacinematográficas, “cosmovisionistas”. Para mí es más fácil: hay algo en Stalker que tiene que ver más con lo sensitivo que con el puro análisis de cada uno de sus planos, un goce del tiempo similar al de la contemplación de la lluvia a través de una ventana, es como asistir a una cátedra de cinematografía de casi 3 horas, al final uno queda sensibilizado.

Películas como Animatrix (Más allá de la realidad) y Annihilation, están evidentemente inspiradas en Stalker. No recomiendo que la vean, es cierto que no es para todo público, pero si un día se cruza en su camino y tienen la suerte de enganchase, bienvenidos.

Tarkovsky, Stalker (1979) Subtitulos en español
https://www.youtube.com/watch?v=TGRDYpCmMcM

The Devil & Father Amorth

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37787572_770418669795427_8255256167471644672_nWilliam Friedkin, director de “El Exorcista”, sigue a un anciano sacerdote de 91 años a un pequeño pueblo italiano donde practica exorcismos reales a una mujer.

Como persona escéptica y digamos “agnóstica” (aunque no es una palabra con la que me identifico es lo que más se acerca), mi curiosidad por estos temas siempre ha sido grande, así como el tratamiento dados por Friedkin y por William Peter Blatty (autor de las novelas El Exorcista y Legión) hacia un tema tan espinoso. El documental incluye comentarios de ambos, por supuesto.

La posesión demoníaca y los ritos empleados para combatirla, han sido desde hace décadas un tema recurrente en el cine de terror, y desde siempre ha suscitado suspicacias tanto dentro como fuera de la Iglesia.

El verdadero tema de ‘​’ es hasta qué punto la gente cree que ese exorcismo es real. Muestra hasta dónde llega la mística sobre el demonio.

Si no crees en esto, entonces la película está explotando a una joven con problemas mentales -su voz fue distorsionada en producción en pos de incrementar el drama-. Y si crees, es difícil no cuestionarse la estrategia del diablo.

Es sin duda una curiosidad para conversos en lugar de una exploración sustancial que ansiarían los escépticos (incluido yo), pero da bastantes cosas.

 

Online: https://ok.ru/video/953931467379

Womb (Clone)

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37858249_771540229683271_7500203553944764416_n (1)Rebeca (Eva Green) regresa a la casa de sus abuelos, y vuelve a ver a Thomas (Matt Smith), su amor de la infancia. La atracción entre ellos es tan fuerte que Thomas se olvida de su novia para estar con Rebecca, pero posteriormente, él muere en un accidente de coche. La joven Rebeca, desolada, llega a pensar en el suicidio, hasta que encuentra consuelo en la idea de la clonación. Aunque la familia de Thomas no lo acepta, la idea de ella es dar a luz a Thomas, para traerlo de nuevo a la vida. La película inicia con una voz en off de una mujer diciéndole a su hijo que su padre se ha ido, pero que ellos iniciarán una nueva vida.

Pienso que lo único que debes saber de la trama es lo que has leído en la sinopsis. Es ciencia ficción nada convencional, que puede ser de temática fuerte. En cuanto al ritmo, para mí no es un tema, pero no dudo que sus casi dos horas a alguien le puedan causar dificultad, así como su mesura interpretativa que yo tildo como un detalle de alta precisión. La fotografía es bellísima. El guión plantea una serie de situaciones lo bastante poco habituales y polémicas, para que quieras saber hasta dónde van a llegar los personajes.

La música de Max Richter, es utilizada aquí de forma prudente, interviniendo sólo en los momentos justos. Música electrónica atmosférica y neo clásica, que incita a explorar más el trabajo de este artista, de quien incluso otros compositores como Jóhann Jóhannsson (Arrival, Sicario, La Teoría del Todo, María Magdalena), han utilizado sus piezas como parte del score de otras películas.

He leído que es imposible sentir empatía con los personajes. Bien, pues… hace tiempo que no veía personajes tan profundos. También que es aburrida. Bueno, si no te gustan las películas pausadas, ni le muevas. ¿Personajes insípidos? Se verán así, claro, cuando no se entiende qué tipo de filme estamos viendo.

Esta película tiene muchos, muchísimos puntos. Si la pones para analizarla, te cojeará argumentalmente de las cuatro patas. Después, sientes la grandeza emocional que tiene y se te olvida todo. Cuando una película provoca esto, no puedes más que dejar de criticarla y sólo vivirla. Y además, no se me pega la gana analizarla negativamente y ya.

Título: Womb (Renombrada “Clone” en su edición DVD europea).
Director / Escritor: Benedek Fliegauf. Fotografía: Peter Szatmari. Música: Max Richter. Año: 2010. Género: Sci-fi, drama.

Online: http://www.rinconcinefilo.com/womb-subsespanol-online-desc…/

Bajo La Rosa

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38614820_783007355203225_1150600706143551488_nBajo La Rosa.
Dirección: Josué Ramos. España, 2017.

Sara, la hija pequeña de Oliver y Julia, desaparece camino a la escuela. Las horas pasan sin noticias de la niña, hasta que una mañana la familia recibe una carta de alguien que dice tener retenida a Sara y que no exige dinero, sólo quiere una cosa a cambio de entregar a la niña en el acto: ir a hablar con ellos esa misma noche.

Prueba que con poco presupuesto se puede hacer una película que atrape al espectador hasta el final. La falta de recursos técnicos es compensada con una puesta en escena sencilla y eficaz y un plantel de cuatro actores liderados por Ramiro Blas. La película es buena en gran medida gracias a este actor argentino, que con su actuación y presencia sustenta la película. Por absurda que parezca la historia, vale la pena llegar hasta la parte final del relato donde su personaje se rompe.

A los 20 minutos de empezar nos damos cuenta de que el director se va a ir por la vía de la provocación y del impacto psicológico, donde van a primar los golpes bajos por encima de todo, y al final nos van a decir algo que se sospecha desde el comienzo.

Estas películas donde un extraño invade la intimidad de una familia y la somete a pruebas crueles y sanguinarias, sin que sepan muy bien la razón, ya las hemos visto infinidad de veces (Funny Games, Naranja Mecánica, Knock Knock, The Strangers, The Purge, Los Bastardos, entre otras). La historia empieza como un drama costumbrista, pasando por el suspenso y tocando el terror con una buena dosis de humor negro. Algunas películas similares a esta son catalogadas como “home invasión”, un subgénero muy al estilo Haneke, -no de Hitchcock con quien se ha comparado a Bajo La Rosa-.

Tiene un par de escenas fuera de lugar, exageradas, o directamente no creíbles. Se va transformando por obra y gracia del director en un relato predecible. También hay que tener en mente que lo más seguro es que varios elementos que resultan desesperantes o poco convincentes (como algunas actuaciones o las reacciones de los personajes), fueron planeados así, con toda la intención de provocar reacciones de desesperación y molestia en el espectador.

En conjunto es una invitación colectiva a una fiesta endofóbica. Una buena pulida a ciertas ideas del guion hubiera sido genial para bordar la película. Tiene aciertos y errores pero atrapa hasta el último segundo.

The Shallows

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39038981_789698164534144_1101847896711495680_nLas películas con tiburones gustan y mucho. Esta tiene un ritmo de tensión elevado. La fotografía es magnífica, la actriz una agradable presencia en pantalla, y la banda sonora fue una grata sorpresa.

Se trata de una obra modesta, inteligente, efectista pero controlada. Bien dicen en el cine que si no tienes medios NO ENSEÑES. El miedo psicológico da más miedo y efectivamente la parte en la que más tensión pasé fueron los momentos en los que no sabía donde estaba el tiburón y no se veía.

Película minimalista (en pantalla sólo aparece una actriz, la mayor parte del tiempo). Collet-Serra ya maneja desde hace años impecablemente la intriga y la acción. Aquí, además, se rebela un consumado maestro del juego espacial.

‘The Shallows’ podría haber sido una película de serie B realmente divertida. Y en muchas formas lo es, una pena que esté un poquito demasiado aguada. El guión empieza típico y acaba siendo una americanada en toda regla. El truco de dotar a la chica de una historia lacrimógena sobre su madre y ya… vomitamos banderitas de EU.

Tiene estupendos planos aéreos y sobre el mar, además el sonido hace todavía más imponente a un tiburón blanco al que se le puede medir en hectáreas. Todo y que tiene una duración bastante ajustada, no puede evitar que se haga algo larga, tiene algunos errores que se pueden llegar a perdonar. La película sabe lo que es y lo que pretende y nunca da a entender que es algo más, y eso es algo a valorar.

No estuvo mal, maneja bien la tensión. Al final se vuelve demasiado loca e irreal en contraposición a cómo era en su primer tramo, son las cosas que dan rabia, porque van bien y de repente vemos que toman unos giros que dan ganas de decir: “No joder por ahí no tires”.

Al final es cine EEUU, pero termina rompiendo con algunos formalismos de siempre.

Otra película de tiburones moderna, buena y con tensión, realizada con mucha imaginación y talento, es “In The Deep”.

Hereditary

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40224844_805100079660619_2615490729413181440_oCosas extrañas comienzan a ocurrir en casa de los Graham tras la muerte de la abuela y matriarca de la familia, quien deja en herencia su casa a su hija Annie, una galerista casada y con dos hijos, quien no tuvo una infancia muy feliz junto a su madre, y cree que la muerte de ésta puede hacerle pasar la página. Todo se complica cuando su hija menor comienza a ver figuras fantasmales, que también empiezan a aparecer ante su hermano.
El director Ari Aster debuta con noción clara de qué contar y cómo transmitirlo. Construye un edificio visual y sonoro que logra una buena pesadilla delirante. Una película atmosférica, dramatizada a complejidad, con actuaciones y soundtrack por encima de la media en cuanto a este género, y paulatinamente desconcertante. Referencia obligada para los fans del terror; no es un thriller, ni un drama como se le ha querido encasillar. Es terror en toda regla, pero sabe darle vuelta a los convencionalismos y queda muy cerca de ser una obra maestra del género.

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Utøya

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42713198_821739171330043_6242089959432388608_nU: 22 de julio (Utøya).
2018, Noruega, 93 min. Dirección: Erik Poppe.

Los atentados del 22 de julio de 2011 en Noruega consistieron en una explosión en el distrito gubernamental de Oslo (capital de Noruega), y un tiroteo ocurrido dos horas después en la isla de Utøya, a pocos kilómetros de Oslo, que dejó un saldo provisional de 77 muertos y más de un centenar de heridos, muchos de ellos adolescentes.

El 22 de julio de 2011, Anders Breivik, un neo-nazi noruego de 32 años, atentó contra los edificios gubernamentales de Oslo con un coche bomba. Dos horas después, disfrazado de policía, fue a la isla de Utoya y empezó a disparar contra una multitud de jóvenes miembros del Partido Laborista Noruego. Este hombre, cristiano, argumentó que cometió todos esos asesinatos para demostrar los peligros de la islamización de Europa.

Se presenta a Kaja, una joven de 18 años, apenas 12 minutos antes de que comience la matanza en el campamento de verano. Los jóvenes campistas saben de la bomba explosionada por un terrorista en Oslo, pero desconocen que Anders Breivik, se encuentra en la isla con la intención de matar a cuantas más personas pueda.

Entiendo que la película levante ampollas (afortunadamente) entre los sectores más conservadores, no sólo por el eterno debate de si es moral o no hacer una película sobre una tragedia real. También por el conflicto de ideas religiosas y políticas que plantea. Recordemos que, una de las obligaciones del cine es la denuncia. Fuera de esto, sin tener muy en cuenta algo de manipulación emocional, destacar también que el filme está prodigiosamente realizado. Netflix está por lanzar una película relatando los mismos atentados, estará dirigida por Paul Greengrass y se llamará “22 De Julio”.

Durante toda la película, Kaja busca a su hermana, y se detiene para ayudar a un par de campistas, la cámara es otro personaje que la acompaña huyendo de las balas, refugiándose con desconocidos que también intentan sobrevivir. Se pretende igualar el tiempo de duración del tiroteo real. La película, salvo por un par de tomas reales de las cámaras de seguridad situadas cerca del primer atentado y que sirven de prólogo, está grabada en un solo plano secuencia, sin cortes.

The Villainess (악녀 / ak nyeo)

37087808_757923061044988_8551211579176124416_nThe Villainess (악녀 / ak nyeo). Director: Jung Byung Gil. País: Corea del Sur. Género: Acción, Drama. 2017.

Desde la infancia, Sook-Hee ha sido entrenada para convertirse en una asesina sin piedad. Cuando Madame Kwon, la jefa del servicio de información de Corea del Sur, la recluta como agente durmiente, le ofrece una segunda oportunidad. “Danos diez años de tu vida y tendrás tu libertad”. Su nueva identidad es Chae Yeon-Soo, una actriz de teatro de 27 años. Con la promesa de una libertad completa a cambio de servir a su país durante diez años, Sook-Hee emprende una nueva vida. Para esta mujer que ha vivido como asesina, llevar una existencia normal no resulta una tarea sencilla.

En esta curiosa película, hay algo innegable: las secuencias de acción son fabulosas. Originales, genialmente montadas, en planos-secuencia complicadísimos y bien resueltos. Sobre todo la secuencia inicial y la final, únicas en su especie y que te dejan pegado a la pantalla.

Lo malo es… bueno, una historia de amor metida con calzador a tres bandas. Cae en un juego de “drama-comedia romántica” algo simplón y ya visto, que no le suma ni le resta, solo desconcierta. Este relato paralelo -muy anémico, por cierto- termina abruptamente, sin mayor desarrollo. Un innecesario paréntesis que afecta el ritmo narrativo, eso sí, con giros argumentales a cada minuto. Pero ¿Qué importancia tiene esto? ¡Ninguna! Ya que lo que se busca es la mera diversión y eso lo ofrece holgadamente.

Un filme de acción que en sus dos horas, hasta en sus momentos más melosos y lentos (pocos), es capaz de mantener la atención. Ganadora en el Buil Film Awards a Mejor Película, y en general muy bien recibida por la critica y el público. Se cuenta que en Cannes tras ser proyectada fue ovacionada por casi 4 minutos.

El cine coreano sigue pleno y vital, con películas que abordan diversos géneros con una narrativa poderosa y arriesgada.

Curiosidades:

La actriz Kim Ok Bin fue seleccionada para el papel principal debido a su experiencia con el hapkido y el taekwondo.

Durante su estreno el 21 de Mayo de 2017 en Cannes, una vez terminada la película fue ovacionada con 4 minutos de aplausos de pie.

Reconocimientos:

2017 38th Blue Dragon Film Awards: Mejor Premio Técnico – Artes Marciales (Kwon Kwi Duk)

2017 38th Blue Dragon Film Awards: Mejor Cinematografía (Jo Hyung Rae y Park Jung Woo)

2017 54th Daejong Film Awards (Grand Bell Awards): Mejor Cinematografía (Park Jung Woo)

2017 54th Daejong Film Awards (Grand Bell Awards): Premio a la mejor técnica (Yoon Hyung Tae & Jung Do Ahn)

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Spoilers de Las Cosas

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La primera vez que vi la precuela de The Thing (2011), duré veinte minutos de película y la tuve que quitar. Insoportable. Lo bueno fue que pude identificar el problema de la precuela y por qué no funciona, y se los voy a decir ahora, para todos aquellos confundidos, y para que los de Hollywood tomen nota, porque obvio van a leer esto.

Ambas películas tienen básicamente el mismo argumento: En una estación experimental de la Antártida, un equipo de investigadores descubre a un ente extraño venido del espacio, que según todos los indicios ha permanecido enterrado en la nieve durante más de 100.000 años. Al descongelarse, experimenta una metamorfosis sorprendente. El problema es que en la precuela, la Cosa es un monstruo que quiere asustar, mientras que en la cinta original de 1982, dirigida por John Carpenter, la Cosa es un animal que quiere sobrevivir. Es tan distinta esta esencia entre ambos filmes, que con la precuela es imposible sentir que es “lo que pasó antes”, o que esos personajes viven siquiera en el mismo universo que los otros. Sigue leyendo

The Tribe

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36720037_2017251498589677_4133426510776238080_oThe Tribe (Plemya), del director ucraniano Miroslav Slaboshpitsky, es una película completamente narrada en el lenguaje de señas de Ucrania. Desde el principio de la película se avisa al espectador que no existen diálogos ni subtítulos, sólo la lengua de signos es utilizada por los personajes para comunicarse.

A finales de los años 20, el sonido irrumpió en el panorama cinematográfico. Por primera vez, los diálogos, el sonido ambiental y algunos efectos sonoros sorprendían a los espectadores. Casi un siglo después, volvería a imponerse el cine mudo y sin diálogos, el puramente visual, la expresión misma de la imagen, la historia contada únicamente con fotogramas. Sigue leyendo

Earthbound

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iheartspenguins_32385496_367106037143196_2192374830861385728_nEarthbound, conocido en Japón como Mother 2: Giygas Strikes Back, es considerado por muchos jugadores, uno de los grandes títulos desconocidos de Super Nintendo. Se trata de la continuación de Mother para NES, el primero de una serie de juegos producida y escrita por Shigesato Itoi, un famoso novelista japonés, en colaboración con Nintendo.

Mi primera partida de esta serie la terminé por ahí de 1995. Al concluir esta primera experiencia, sentí como si algo de mí se hubiera movido, porque me mostró un juego en extremo diferente. Es un título de estilo JRPG tan fuera del molde y antiarquetipo, que por sí mismo podría crear una categoría.

Pude notar las similitudes que tiene el argumento del juego con dos corrientes de relatos bastante conocidos en América Latina:

El realismo mágico, representado por un suceso que los mismos habitantes de ese universo consideran como “fuera de lo ordinario”. Escenarios con elementos mágicos o irreales (perros que hablan, dinosaurios conviviendo con humanos, una niña de aproximadamente 10 años atendiendo un call center, entre muchos otros).

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The Florida Project: “Este es mi árbol favorito porque a pesar de caer siguió creciendo”

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1593732En Florida está Disney World, que se compone de Magic Kingdom, Hollywood Studios, Animal Kingdom y Epcot, luego está Universal Studios, Sea World… y otros más, reinos de ratones antropomórficos y castillos de cartón donde dicen que puedes ser feliz para siempre.

‘The Florida Project’ abre una ventana a la periferia de los sueños infantiles, en esa zona alejada de aquella, en la que un grupo de visionarios consideraron necesario crear lugares de evasión, donde la gente pudiera olvidarse de sus problemas.

Por supuesto, acceder a esa clase de anhelados lugares no es tan fácil como estar en ellos, y pronto se demuestra así en la película. Sigue leyendo

Thor: Ragnarok

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La imagen puede contener: 3 personasA menudo se acusa a Marvel Studios de no arriesgar, en este caso creo que es una de esas afirmaciones injustas que suelta el fan medio sin darse cuenta de lo difícil que es dar un film de este presupuesto a un director tan especial como Waititi, un hombre que no se queda corto al hacer humor sobre el martillo de Thor o sobre el miembro viril de Hulk, e incluso así, logra dar en el clavo con el film. Puede que no todos los chistes funcionen, pero debajo de los golpes, explosiones, chascarrillos, inconsistencias en la trama y demás, existe la sensación de que estos personajes están vivos y eso es un triunfo hoy, cuando el cine se ve cada vez más hipertrofiado por los efectos especiales y menos por sus tramas y los sentimientos de sus personajes.

El mejor ejemplo de que estas películas ya no son para tomarse en serio, hay que abordarlas como lo que son, meros productos de entretenimiento sin más, no hace falta comprender si la saga de Thor tiene una esencia, si en los comics es pura solmenidad, si los personajes no fueron bien abordados, todo eso ya no importa. La cuestión aquí fue hacer una película entretenida, con humor omnipresente y eso funciona con el espectador.

No obstante, para esos fans masoquistas que buscan películas serias, solemnes y severas, esta no es su película. Y lo lamento. Muchos piensan que todo esto es un acercamiento al estilo de Guardianes de la Galaxia y, aunque creo que no es así, si lo fuese, ya sería un acierto, porque Thor: Ragnarok es el equivalente a la lectura de aquellas miniseries de Marvel, coloridas y llenas de humor, donde todo es posible, donde cualquier personaje del multiuniverso puede aparecer. Eso sí, el sentido del humor, imperante en la mayoría de las películas de Marvel, ve aquí su punto más álgido con un director, Taika Waititi especializado en el cine cómico sui géneris.

¿Me gustó? Sí. Porque estamos ante una obra entretenida, ligera, que te desconecta del mundo por dos horas. No me estoy desquitando tanto con ella porque es divertida; pero si hay que señalar que el cine de superhéroes ya no tiene sustento, está experimentando una bajada de calidad bestial, cuando podría regalar auténticas maravillas. Se está relajando y ofreciendo películas sin riesgo ni alma que palidecen con las que sacaban en un principio. A mí, esto me duele más todavía, pues aquel amante del cine que no lea las historietas pensará: “Ah, claro, los guiones de las de superhéroes son flojos porque están basadas en cómics”. Y NO es así. Los cómics pueden ser tanto o más buenos que cualquier novela y no merecen ser desprestigiados de esta forma.

¿Veredicto final? Divertida, sí.

Confessions

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Una profesora intenta que su clase le preste atención contando que va a dejar la escuela, sus alumnos no muestran más que indiferencia, pero entonces les comenta que la muerte de su hija no fue un accidente, que en realidad sus asesinos se encuentran en ese momento en el aula y que piensa vengarse en ese mismo instante. A partir de aquí ocurren una serie de acciones que desembocan en imprevistos y salvajes acontecimientos.

Definir una película y su estilo visual como videoclipero es claramente un desprecio. El cine es un arte en constante evolución que juega diferentes cartas, siendo una de ellas el poderío visual, que es precisamente lo que destaca este film. “Confessions” está envuelta en un preciosismo absoluto, con una fotografía en tonos azulados y grises -inusualmente bella en contraste con la frialdad que representa- rozando la perfección. Lenguaje cinematográfico puro, un ejemplo: una burbuja que revienta cerca del oído, representando la pérdida de una figura importante durante la infancia.

Otro recurso mal tachado como innecesario e incluso directamente excesivo, es el reiterado uso del soundtrack, en este film está presente todo el tiempo, es una especie de firma del director, curiosamente sí logra denotar de carisma a la película.

Lo que falla en “Confessions” es la credibilidad de su argumento. Es una película muy estimulante visualmente. El problema es que no basta con eso y un buen final. Uno se ve obligado a no despegar los ojos de la pantalla debido a sus imágenes, pero más allá de esto, no interesa nada de lo que ocurre, porque carece de todo sentido.

En las escenas en el salón de clases, los estrambóticos personajes se pasean de aquí para allá sin ningún motivo concreto salvo el de ocupar minutos en pantalla, en este punto la película se hace difícil de soportar, pues el audio de los alumnos gritando y jugando en clase, no parece encajar con el de la profesora tratando de hablarles. Ahora que, si esto fue editado así con el propósito de causar desesperación y molestia, entonces es un acierto. Esta escena se extiende por más de 20 minutos. Hay que estar muy seguro para usar una escena tan larga de este tipo y que el público no se canse.

El Cine es ante todo un arte VISUAL: las imágenes deben transmitir, narrar y explicarse por sí solas. Desde el momento en que unas imágenes, por muy bonitas que sean, necesitan de una continua explicación vía voz en off (cosa que en esta peli abarca fácil el 99% del metraje) entonces ahí falla algo.

La mayor virtud de “Confessions” es probablemente su reflexión sobre el bien y el mal, que casi todo el tiempo es valiosa. Disecciona sin simplismo las causas de las malas conductas humanas y es en este registro de diagnóstico ético-social donde la película alcanza mayores cotas de mérito (la mención a Crimen y Castigo es brillante). Pero estos hallazgos se pierden en el torrente de lo grotesco a lo que se entrega la historia, en una poco creíble sucesión de revelaciones para ver cuál de los personajes está más enfermo y quién es capaz de cometer la mayor atrocidad. Tanta conmoción en la pantalla acaba por dejarnos el cuerpo frío y empezamos a trazar puentes, que tienen más que ver con el humor que con la intertextualidad. Nos da una de cal y una de arena y justo en el momento en que la carne se pone de gallina, el desaliento desaparece por obra de magia con una de esas “genialidades” de ese carácter propio y único de los japoneses. Al final nos sentimos como esa palabra que repiten varias veces los personajes y que se adivina como uno de los mensajes que quiere lanzar el autor: ridículos.

Estamos ante un experimento que, si bien difícilmente podría haber salido mal, era más probable que pasara como una película más del montón. No es una película perfecta, pero su osadía y descaro por buscar un lenguaje y una forma diferentes consigue que nos preguntemos por qué no se hacen las cosas así más a menudo, en vez de seguir caminos fáciles y trillados.

Director: Tetsuya Nakashima
Escritores: Kanae Minato (based on the novel by),Tetsuya Nakashima (screenplay)
Reparto: Takako MatsuYoshino KimuraMasaki Okada 
Año: 2010

Compliance. (Vale la pena recordar que son pocas las personas tan irreflexivamente susceptibles a la autoridad)

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A veces empiezas a ver una película y piensas: esto es totalmente absurdo, poco realista, es una estupidez, nadie haría jamás algo así en la vida real. Pero ¿qué pasa cuando todo lo que estás viendo resulta ser totalmente verídico? 100%.

“Compliance” es un análisis clínico de una sociedad psicópata. Muy poco se puede decir de la trama sin revelar un spoiler, sólo decir que la premisa es simple: un policía llama a un McDonalds, informando que la chica encargada de la caja, Becky, es una ladrona; acto seguido la gerente del lugar detiene a Becky en una bodega del restaurant y acatando todas las órdenes del poli vía telefónica hace sufrir a Becky humillaciones varias ¿Parece estúpido, no? Bueno, resulta que esto pasó realmente…. y más de una vez, en 30 estados de E.U. De hecho existe el video original de la cámara de vigilancia que grabó absolutamente todo lo que se expone en esta película.

Es un film para pocos; un desafío constante a la tolerancia. Así como te preguntas ¿hasta qué punto van a llegar estas personas?, también te estarás cuestionando seriamente ¿hasta dónde puedo seguir viendo esta película?

Desquiciante, tensa y malvada, hace aflorar los más alienantes pensamientos y acciones de arriba a abajo en la pirámide social y aunque pueda parecer que la trama se toma alguna libertad, no es así. Después de verla solo hay que buscar alguno de estos nombres en la red: Louise Ogborn (Becky en la película) o Donna Summers (Sandra Fromm), el caso fue muy documentado.

Es complicado para mí valorar la película teniendo referencias gráficas del caso en que se basa. Vi el vídeo del interrogatorio a la empleada antes de ver la película y me entraron los siete males. Sentí rabia, incredulidad, impotencia y una profunda incomodidad frente al relato de la empleada de McDonalds y su encargada. La película, en cambio, ha conseguido crearme la pregunta de si realmente es necesario hacer una película de cada escándalo de este tipo que se publica. Y sí, seguramente es necesario como denuncia social y como experiencia fílmica, también. Toda reflexión que podamos hacer tras ver “Compliance” viene por la fuerza del hecho real en si y por esa falta de autocrítica y reflexión de lo que está bien o mal; pero no porque la película nos acerque a este tipo de sensaciones de manera contundente. Se puede ser sutil y escalofriante, pero un vídeo de youtube de diez minutos impacta más que una película de hora y media basada en los mismos hechos.

Todo el guión es relojería suiza; no hay ni una palabra, ni un cuadro de sobra. Te desquicia por la pasividad, permisibilidad e ignorancia de sus protagonistas. Indaga en la automatización de las personas de la “América profunda” y cómo con ciertas palabras dichas por organismos oficiales, les sumergen en un modo sumiso y activan en su cerebro el no pensar y obedecer.

La historia detrás de “Compliance” demuestra que Milgram no se equivocaba. Sujetos investidos con autoridad desarrollan una adaptación a este rol sin cuestionamientos, y sin dudar en ejercer la violencia, generan una obediencia ciega a su autoridad por parte de otros, evitando posteriormente las consecuencias de las propias acciones ¿Es posible ser cómplice de lo macabro en aras de obedecer? El ser humano es fácilmente manipulable, tanto que ni se cuestiona un alago frente a la humillación de otro, ni por qué puede llegar a ser tan cruel, estúpido y capaz de desconfiar y juzgar a alguien con tal de obedecer a la autoridad.

Gran debut del director Craig Zobel, hace uso de un estilo narrativo pausado, tanto que llega a acercarse al cine europeo (y muy gratamente, por cierto) donde es capaz de embutirnos en ese cuarto de atrás que tienen los restaurantes de comida rápida y sin darnos ni siquiera cuenta ya te has convertido en un espectador de primera fila (y además cómplice de todo lo que ocurre, pienso que la “docilidad” de la que habla el título hace referencia al espectador, no a la obra en sí).

Zobel es capaz de arropar un guión subyugante con una espléndida fotografía, una maravillosa banda sonora y la labor de unos actores en estado de gracia. Pero por encima de todo esto ha logrado una película muy incómoda de digerir, que sin necesidad de mostrar gore ni violencia gráfica, te obliga a buscar en el interior de cada personaje por una explicación lógica que de sentido a lo que estás viendo y borrar esa desagradable percepción de que la estupidez, la ignorancia o la falta de iniciativa de determinadas personas puede acarrear consecuencias trágicas.

Una vez terminas de ver es casi irremediable esa sensación de que tal acumulación de actos estúpidos e irresponsables es imposible que se dieran en la realidad. Pero por otro lado, ¿cuántas veces hemos escuchado aquello de que la realidad supera la ficción? La película se deja ver, aunque uno no concibe los acontecimientos por lo irreal de su planteamiento, hasta que descubres que todo es totalmente cierto ¡Es una locura!

Fecha de estreno: 10 de agosto de 2012 (Canadá)
Director: Craig Zobel
Guion: Craig Zobel

Premios
2012: National Board of Review (NBR): Mejor actriz secundaria (Ann Dowd)
2012: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
2012: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor actriz secundaria (Ann Dowd)
2012: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor actriz secundaria (Ann Dowd)

Críticas
“‘Compliance’ es una tortura para permanecer sentado. También es cine indispensable. Esta película basada en hechos reales te planteará cuestiones que te rondarán mucho después de haber abandonado la sala (…) Puntuación: ★★★ (sobre 4)”
Peter Travers: Rolling Stone

“Si después de ver ‘Compliance’ siente deseos de desfallecer y de perder toda esperanza en la humanidad, vale la pena recordar que son pocas las personas tan irreflexivamente susceptibles a la autoridad.”
Manuel Kalmanovitz G.: Revista Semana

Ver online: https://es.onmovies.to/film/Ad/Compliance

Helen

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La imagen puede contener: una o varias personas, personas de pie, árbol, texto y exteriorPara quienes están viendo DARK, ya la han comparado con IT y con Stranger Things, yo la compararía también con Twin Peaks y con esta pélícula Helen del 2008, tal vez una de sus inspiraciones no confirmada, en algunos aspectos visuales y argumentales (la chamarra amarilla, el bosque, las desapariciones y el borlote escolar, el ritmo, ambiente, score, etc).

Una chica de 18 años llamada Joy ha desaparecido. A Helen se le pide que ‘represente’ a Joy en una reconstrucción policial que retratará los últimos movimientos conocidos de Joy.

Joy tenía todo. Una familia cariñosa, un novio, un futuro brillante. Helen, sin padres, ha vivido en instituciones toda su vida y nunca ha estado cerca de nadie. Poco a poco, Helen comienza a sumergirse en el papel, visitando a las personas y lugares que Joy conocía; insinuando silenciosa y cuidadosamente su camino en la vida de la chica perdida, buscando a la vez su propia identidad.

La película tiene calidad críptica, no en un sentido convencional de sentido común, sino en cuanto al carácter elusivo de Helen y la naturaleza de la película en sí. Las tomas largas e ininterrumpidas, los grandes silencios y las interacciones moderadas y casi modestas entre los personajes generan fascinación y curiosidad. Es algún tipo de hipernaturalismo. Los actores a menudo están alejados unos de otros, o fuera de la pantalla, o tomados desde atrás, o simplemente para que no puedas ver sus caras. Cuando una policía llega a la escuela para informar a los alumnos de sobre la reconstrucción de la desaparición, la mitad de la escena se ve a través de su reflejo en un espejo.

Algunos de los diálogos son extraños en su naturaleza exposicional, sin embargo, en otros momentos son completamente evasivos. Helen se siente vacía por dentro y su pasado y paternidad están envueltos en el misterio, su vocalización consiste principalmente en declaraciones sordas y murmuradas.

La película está enmarcada por una edición metronómicamente perfecta, desvanece a negro, tomas abstractas de filtrado de luz a través de los árboles y una puntuación ambiental glacial. Recuerda en ocasiones a David Lynch en su diseño (Twin Peaks). Ofrece una visión única de una situación que se abre a múltiples misterios.

Directores: Joe Lawlor, Christine Molloy