Room: El delito contra el alma

Etiquetas

Brie Larson, casper hauser, Emma Donoghue, Jacob Tremblay, kaspar hauser, La habitación, Lenny Abrahamson, mito de la caverna, platón, room, Stephen Rennicks, suzanne vega

“El delito contra el alma es separar a un hombre de los otros seres racionales y de la naturaleza, dificultar su acceso a un destino humano y privarle de alimentos espirituales. Es el más criminal de los atentados puesto que va dirigido contra el patrimonio más auténtico del hombre, su libertad y su vocación espiritual”. 

—Anselm von Feuerbach, abogado de Kaspar Hauser.

Durante cinco años, Jack despierta cada mañana en una habitación de 4 x 4. Un espacio sin ventanas, con un tragaluz y una puerta cerrada con llave. Un niño de cinco años con el cabello hasta los hombros, saluda cada día al mundo que conoce desde su nacimiento: la lámpara, el fregadero, la planta, la silla, el refrigerador, su perro imaginario. La madre de Jack, ha permanecido en la misma habitación durante siete años. Madre e hijo atrapados en un cuarto, sin oportunidad de salir ni una sola vez. Sus días consisten en cocinar, leer, jugar y ver televisión. A Jack le cuesta creer que lo que ve en la pantalla es real, todo lo que conoce del mundo es lo que tiene delante de sus ojos.

Anuncios

Widows: ¿Qué le pasó a Steve McQueen?

Etiquetas

análisis, André Holland, Brian Tyree Henry, Carrie Coon, Colin Farrell, critica, Cynthia Erivo, Daniel Kaluuya, Elizabeth Debicki, explicación, Garret Dillahunt, Hans Zimmer, Jacki Weaver, Jon Bernthal, Kevin J. O'Connor, Liam Neeson, Lukas Haas, Lynda La Plante, Michelle Rodriguez, reseña, Robert Duvall, Steve McQueen, Thriller, Viola Davis, Viudas, widows

¿Qué pasó en Widows que no termina siendo entrañable? Tiene al director detrás de Hunger, Shame y 12 Years Slave, y un elenco conocido y talentoso, con actores que cumplen con todo y complacen a la multitud, pero se queda en ser un gran entretenimiento, sin más.

Podría funcionar para aquellos que solo necesitan emoción y no intelectualizar sus películas. Pero ciertamente, ese no es el sello distintivo de McQueen. Tal vez se debe al guión, coescrito con Gillian Flynn (Gone Girl) de la novela de Lynda La Plante. No hay una sola cosa que señalar como la causa de la decepción. La historia solo necesitaba ser más ingeniosa y no tener tanta urgencia de explicar los males sociales actuales.

The Ballad Of Buster Scruggs: Los Restos Mortales

Etiquetas

análisis, el dude, el nota, Ethan Coen, explicación, Hermanos Coen, Joel Coen, la balada de Buster Scruggs, Los Restos Mortales, Pills Of White Mercury, reseña, The Ballad Of Buster Scruggs, The Big Lebowski, the dude, The Mortal Remains, viejo oeste, western

The Ballad of Buster Scruggs puede no ser la mejor película de los hermanos Coen, pero sí cristaliza sus temáticas más recurrentes. Se sirve del western como lienzo para explorar la moralidad y la muerte. No pretende ser un relato histórico con personas reales, sino que muestra el viejo oeste como se ha visto a través del cine, con cierto humor y con personajes entrañables en paisajes majestuosos. A través de los seis cortometrajes que la integran, podemos ver la aleatoriedad de la muerte y la injusticia de la vida. En la última entrega, “The Mortal Remains (Los Restos Mortales)”, los Coen retiran la cámara de la campiña, para hacer un viaje introspectivo a la otra vida, observado desde le interior de un carruaje.

Intensa-Mente

Etiquetas

alegría, bing bong, desagrado, emociones, explicación, filtro de realidad, InsideOut, intensa-mente, interpretación, ira, memoria a largo plazo, Michael Giacchino, miedo, pensamiento abstracto, Pete Docter, psicología, recuerdos, reseña, Ronnie Del Carmen, subconsciente, sueños, tristeza

Los de Pixar Animation Studios son unos locos que hacen películas de monitos adentro de Disney World, usan camisas hawaianas y son famosos por hacer llorar a la gente, sobre todo a los papás de los niños, con películas como Cars. Porque por cada chamaco que ve esa película, los viejos tienen que gastar dinerales en cochecitos con ojos, piñatas de cumpleaños y DVDs piratas que se rayan de tanto verlos. Lo que estoy tratando de decir, es que Pixar es un lugar mágico que se alimenta con las lágrimas de las personas.

Suspiria: por qué Tilda Swinton interpreta a un anciano.

Etiquetas

alarido, dario argento, Dr. Jozef Klemperer, el maligno, Guadagnino, Helena Markos, Jessica Harper, Madame Blanc, remake, suspiria, thom yorke, Tilda Swinton

Una mujer que interpreta el único papel masculino significativo de la película, tiene mucho sentido en este relato. Si ya vieron Suspiria, habrán notado que Tilda Swinton interpreta a tres personajes; Madame Blanc, Dr. Jozef Klemperer y Helena Markos (no es spoiler, todos los personajes están acreditados). Pero, ¿Cuál era la necesidad de que ella interpretara tres personajes? Entiendo que tanto Amazon como los realizadores y actores, hicieran todo lo posible para fingir que Swinton no hacía ese papel de Klemperer, con la finalidad de aumentar el interés hacia la película. Pero ¿no era más fácil que ese personaje fuera interpretado por, vaya, un hombre? Reflexionando sobre el significado de este personaje, podemos encontrar esto:

Mid90s: la cultura skate de los 90

Etiquetas

A Tribe Called Quest, atticus ross, Cypress Hill, Harmony Korine, Jonah Hill, kids, mid90s, Minding The Gap, Morrissey, paranoid park, Pixies, skate, skateboarding, skatos, stivie, Sunny Suljic, sunnyburn, The Pharcyde, trent reznor

El debut como director de Jonah Hill, es un drama centrado en la escena del skateboarding de Los Ángeles en 1996, donde Stevie (Sunny Suljic), de 13 años, aplastado por su perenne soledad, y buscando una distracción para contrarrestar el antagonismo en el hogar, descubre su identidad al encontrarse con un grupo de adolescentes, cuyas vidas giran en torno a la cultura skate.

Hill insiste en que la película no es autobiográfica, pero quien haya crecido en la época que se describe, puede dar fe de su autenticidad. El skateboarding y todo el panorama musical que cobijó, desempeñaron papeles importantes en la vida de muchos. Es un recordatorio de las experiencias de nuestros años formativos y de cómo fue sobrevivir a nuestra juventud, de tener un sentido de pertenencia tribal y una ineludible desilusión doméstica.

Kumiko, la caza tesoros: ser “realistas” pero sin comillas.

Etiquetas

#teambunzo, Ad Hominem Enterprises, análisis, basada en hechos reales, Bunzo, Carl Showalter, critica, David Zellner, Fargo, hermanos cohen, Kumiko, Lila 9th Productions, Nathan Zellner, Paul Berczeller, reseña, Rinko Kikuchi, Sean Porter, spoilers, Steve Buscemi, Takako Konishi, The Octopus Project, the Treasure Hunter, this is a true story

Una solitaria mujer japonesa, se convence de que el bolso con una enorme cantidad de dinero enterrado en la película Fargo, es real. Su jefe del trabajo, le encarga comprar un regalo de cumpleaños con su tarjeta de crédito, pero ella usa la tarjeta para comprar un boleto de avión a Minneapolis, embarcándose en una búsqueda impulsiva, para encontrar la mítica fortuna enterrada en la nieve.

La Delgada Línea Amarilla

Etiquetas

Américo Hollander, Celso García, Comedia, critica, Damián Alcázar, Dan Zlotnik, Drama, forografía, Guillermo del Toro, Gustavo Sánchez Parra, Joaquín Cosío, La delgada línea amarilla, México, reseña, road movie, Silverio Palacios

La Delgada Línea Amarilla narra la forzada convivencia de un grupo de trabajadores que son contratados para pintar la línea intermitente que divide los carriles de una carretera que conecta dos pueblos de México. A bordo de una vieja camioneta, inician el trabajo de más de doscientos kilómetros de asfalto que deberán completar en menos de quince días.

Hipnosis

Te escucho en cada canción que componen las aves. Melodía, ritmo, sonido, orquesta. Estás llena de demonios a los que me enfrento por amarte todos los días y no puedo imaginar cómo es ser tú y vivir con ellos. He estado cara a cara con la locura, dejando que tu maldad haga su camino dentro de mí. No importa cuánto intente encontrar tu núcleo, tu centro en bruto, nunca puedo cavar lo suficientemente profundo, no puedo soportar los aullidos, la negrura que tus monstruos internos dejan salir. Tal vez esto no es amor, tal vez es solo una locura, siempre he estado loco… pero no tan loco como tú.

Eres el signo del infinito. Las palabras en un libro que cansan al lector hasta quedarse dormido, dejándolo con sus sueños de aventuras conectados con la historia que acaba de asimilar. Un libro que contiene todo el conocimiento existente. Me imagino que tienes mil millones de cosas por decir, o tal vez nada, no importa. Todo lo que tienes que hacer es existir. La gente olvida que el simple hecho de estar vivo es en sí mismo, una gran explosión mental. Aprecio tu singularidad y capacidad de estar abierta a todos los lados de un espectro, dejando tu inevitable marca en este planeta. Encajar parece un laberinto insoluble, absorbido por la visión de múltiples universos.

Permite a la gente echar un vistazo a tu rostro y observa cómo se pierden en la hipnosis. Un ser magnético, desconcertante, sin corazón, mítico. Un mundo como este no te merece ni a ti ni a tu toque revolucionario. Eres la única y última estrella de cada noche que termina, y todavía brilla intensamente cuando el sol comienza a subir. Eres el humo de mis cigarrillos, dispersándome por el aire. Te escucho dondequiera que voy, haciendo eco en mi cabeza como una guía para ser una mejor persona. Me haces querer ser mejor.

Agujeros negros por ojos, demasiado intensos para mirarse. Sin control sobre su grandeza, naciste de esa manera. Una pieza de arte ambulante.

Burning: A veces no puedes ver las cosas que están ante tus ojos.

Etiquetas

análisis, Barn Burning, Beoning, Burning, critica, explicación, 군함도, final, Haruki Murakami, Jun Jong-seo, Lee Chang-dong, reseña, Yeun Steven, Yoo Ah In

La imagen cinematográfica es tan poderosa que permite construir tanto lo ausente como lo presente a partir del desarrollo psicológico adecuado. Esta reseña habla de lo que yo he entendido sobre Burning, película del 2018 del director Lee Chang-dong, con esos matices que sólo se perciben como parte de un todo cuando acabas de ver una película, dado que he leído varias reseñas de análisis que no se acercan a la historia que yo he visto, o muestran confusión sobre la misma.

Quien lea esta reseña antes de ver la película, no se echará a perder nada, puede incluso ayudar a disfrutarla, pero para quien la lea después, espero que contribuya a su valoración y también a su disfrute. Por ello, escribo en modo spoiler, para que puedan interpretar y recordar ciertos aspectos que parecen quedar inconclusos.

Blade Runner tendrá nueva serie anime

Etiquetas

anime, Blade Runner, Kenji Kamiyama, Shinji Aramaki

La nueva serie animada estará inspirada en Blade Runner 2049.

Según reporta el sitio Variety, esta nueva serie se llamará Blade Runner- Black Lotus y será desarrollada por Alcon Television Group en alianza con Adult Swim y Crunchyroll, quienes se encargarán de producir y distribuir el anime.

Blade Runner- Black Lotus contará con 13 episodios de media hora cada uno y, pese a que aun se desconocen detalles de la trama, desde Variety aseguran que la historia tomará lugar en el año 2032 e incluirá algunos personajes ya conocidos del universo Blade Runner.

Shinji Aramaki (Appleseed) y Kenji Kamiyama (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex) dirigirán todos los episodios de la primera temporada del anime, mientas que Shinichiro Watanabe será productor ejecutivo.

Watanabe puede ser un nombre conocido para los seguidores en la franquicia ya que él dirigió el corto Blade Runner Black Out 2022 que fue lanzado en septiembre de 2017 como una de las tres precuelas -también de anime- de Blade Runner 2049.

Sicario: El día del soldado

Etiquetas

Benicio del Toro, día del soldado, Denis Villeneuve, islam, Jóhann Jóhannsson, Josh Brolin, narcos, narcotrafico, Roger Deakins, sicario, Stefano Sollima, Taylor Sheridan, terrorismo

Si estás leyendo esto porque la recta final de Sicario 2 te ha sorprendido, para luego decepcionarte, éste es tu lugar, acompáñame a leer esta triste historia.

Cuando uno ve una película de este tipo, uno no espera que tenga una dirección sobresaliente y propositiva, ni buena fotografía, ni que el score lleve dotes de genialidad, vaya, no se espera ni siquiera que la historia sea tan buena. Lo que uno busca, únicamente, es desconectar el cerebro dos horas y ver disparos y explosiones.

La primera Sicario entregó más de lo que se esperaba de ella en todos esos rubros, por eso fue tan buena. Y todas las virtudes de la primera, se extrañan en la segunda parte.

No es mala pero –casi– mejor que no la hubieran hecho. Las comparaciones siempre son injustas, pero inevitables; la primera Sicario contaba de forma diferente la lucha (o mejor dicho, el pulso) entre el gobierno de EU y los narcotraficantes mexicanos. Su director Denis Villeneuve (Incendies, Polytechnique, Blade Runner 2049) ya estaba consagrado como narrador ejemplar de los más lúgubres paisajes humanos. La fotografía de Roger Deakins, la música de Jóhann Jóhannsson, buenos actores, un final duro y seco, sin concesiones, consiguieron que la historia lindara en varios géneros, convirtiendo una simple película de acción en cine de arte.

La historia de Sicario 2: El Día Del Soldado, no tiene sentido. Es como la de muchas películas típicas y series de operaciones secretas. Los personajes de Matt (Josh Brolin) y Alejandro (Benicio Del Toro), tan bien definidos en la primera parte, aquí dan el giro clásico al sentimentalismo que los hace vulgares. El director está más pendiente de llamar la atención sobre sí mismo, que de relatar una historia que se justifique a sí misma. No aporta absolutamente nada nuevo a la primera Sicario, la cual está bien hecha, entre otras razones, porque no fue pensada como una franquicia, es autoconclusiva.

El guión, de original deriva en inaudito y cuando no, simplemente en surreal; polleros y narcotraficantes aliados con terroristas islámicos y bombarderos suicidas. La escena para introducir al personaje de Alejandro, poniendo un letrero que dice que están en Colombia, cuando es evidente que se encuentran en el Centro de la Ciudad de México; se alcanzan a ver nombres de calles, arquitectura conocida, anuncios de la Torre Latinoamericana y del Palacio de Bellas Artes en los teléfonos públicos. Más adelante, durante la escena del secuestro -ya ubicados ahora sí en la Ciudad de México y de nuevo en el Centro- hay una toma aérea de la escena, donde es notorio que no se trata de la misma calle, parece un set prefabricado, totalmente distinto.

Recuerdo que en la primera película grabaron escenas en Ciudad Neza, Estado de México -muy cerca de donde vivo- y en el bordo de Xochiaca. Luego, en el filme, decían que eran escenas en Tijuana y en la frontera, y la verdad es que era creíble, fue una genialidad. En Sicario 2 nadie se preocupó de la continuidad, ni de cuidar esos detalles.

También tenemos esas dos muertes, que no son, pero que deberían haber sido. Alejandro muere y punto. Escena dura, ruin y real. Una muerte nada épica, como son en ese mundo del narco… pues no. No me voy a extender en esto pero, contra las leyes de la razón y de la física deciden resucitarlo.

La otra: Isabel debía morir, porque Matt la pega un puto tiro a su captor a un centímetro de su rostro. Tú lo viste, yo lo vi. Le ordenaron hacer limpieza, borrar a todos. Fin… Pues no, magia, también resucita y sin un solo rasguño.

Si se hubieran ahorrado esas dos “resurrecciones” estaríamos ante una película que, aun estando muy lejos de ser perfecta, sería mucho más creíble y respetable.

Luego hay más abismos en el guión, como la emboscada de la policía en el desierto, misma que nadie explica. Alejandro, llega a los coches abandonados en cuestión de minutos, con paso renqueante y con un tiro en la cara. El tal José Reyes, jefe supremo de los narcos, asesino intelectual de la familia de Alejandro, padre de la niña secuestrada, a quien todo mundo busca y quien se menciona durante toda la película, nunca aparece en pantalla ni se escucha de lejos.

Finalmente está el Miguel, quien se baja arrepentido de la camioneta de malandrines, solo para aparecer un año después todavía más malote y lleno de tatuajes. Otra cosa más sin sentido ¿Para quién trabaja, si todos sus “colegas” están muertos? ¿Y no que se había arrepentido? Pero eso sí, será reclutado por Alejandro muy al estilo Nikita.

Las acciones se pasan de lo real a lo fantasioso y la credibilidad de lo expuesto se cae al suelo. Las resoluciones parecen más dignas de alguna saga que fusiona géneros de súper héroes con narco series. Mientras que las subtramas pasan a un plano tan lejano que no se reconocen ni encuentran un desenlace. No consigue ideas a las que otorgar algo de frescura o impregnar al relato ese destello narrativo tan carente en el cine de género.

El resultado se consigue a medias. Benicio Del Toro vuelve a dar cátedra de actuación. Gran fotografía. El score mejora al final. La película entretiene de principio a fin, es cumplidora, chicharronera y magnificente aunque con muchos peros. No es una secuela digna, es inferior. No parece una continuación, sino una película diferente, más digerible, una de acción con todo y moraleja.

Sicario: El día del soldado. 2018. Estados Unidos.
Director: Stefano Sollima
Reparto: Benicio del Toro, Josh Brolin, Matthew Modine, Catherine Keener, Isabela Moner, Jeffrey Donovan, …
Guion: Taylor Sheridan
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Dariusz Wolsk
Género: Thriller. Acción. Crimen. Secuela

Mandy

Etiquetas

Andrea Riseborough, Jóhann Jóhannsson, Mandy, Nicholas Cage, Panos Cosmatos

Mandy, 2018, Estados Unidos. Dirección: Panos Cosmatos. Música: Jóhann Jóhannsson.

Red (Nicholas Cage) es un leñador que vive alejado del mundo junto al amor de su vida, Mandy (Andrea Riseborough). Un día, mientras da un paseo abstraída en una de las novelas de fantasía que suele leer a diario, Mandy se cruza sin saberlo con el líder de una secta que desarrolla una obsesión por ella. Decidido a poseerla a cualquier precio, él y su grupo de secuaces invocan a una banda de motoristas venidos del infierno que la raptan y, en el proceso, hacen añicos la vida de Red. Decidido a vengarse y equipado con toda clase de artilugios, pone en marcha una matanza que deja cuerpos, sangre y vísceras allá por donde pasa.

El control que tiene Cosmatos de sus recursos estilísticos es orquestal, incluso si el contenido de la historia es alegremente cutre. ‘Mandy’ tiene muchos elementos alocados.

El estilo visual, lleno de experimentos psicodélicos, tinting y toning que llenan la pantalla, algo de surrealismo y gore. Cosmatos se compromete a la experiencia visual y sonora. Gran y valiosa banda sonora de Jóhann Jóhannsson. La música y el sonido son más que protagonistas. Una pena tener que despedir para siempre a Jóhannsson (DEP).

La estética de ambientación a los 80, ayuda mucho en este viaje que más parece una pesadilla de acción de la vieja escuela. A su extraña manera, es extraordinariamente satisfactoria. Una dosis asombrosa de psicodelia y locura. La sobrecarga estilística eleva a la película por encima de las limitaciones de las fórmulas narrativas que utiliza. La primera hora es lenta y se podría decir que psicodélica. La segunda mitad pisa un territorio que te hace pensar ‘no me puedo creer lo que estoy viendo’.

Después de ochos años, Cosmatos vuelve a dirigir, desde aquella penosa ‘Beyond The Black Rainbow‘, y nos ofrece una de las mejores películas de medianoche de los últimos años. Un producto oscuro y estimulante, macabro, una fotografía que te pone en completa inmersión y a merced. Bien por Nicolas Cage y todos los actores.

El guión es simple, pero los recursos que utiliza para narrar son magníficos, y convierten un crapeado cliché en arte, eso es muy difícil de conseguir. No es un cine convencional, y eso es refrescante, verla puede ser un ejercicio agotador, aunque agradecido.

Online: https://ok.ru/video/1034420095603

El Premio

Etiquetas

2011, argentina, Laura Agorreca, México, Paula Hertzog, Paula Markovitch, Sergio Gurrola, Sharon Herrera, Viviana Suraniti, Wojciech Staron

Dirección / guión: Paula Markovitch, México, 2011. Música: Sergio Gurrola. Fotografía: Wojciech Staron.

Reparto: Paula Hertzog, Sharon Herrera, Laura Agorreca, Viviana Suraniti.

El mar pasa por debajo de mi casa. Mi perro le ladra a las olas como si fueran otros animales como él. El mar está loco y las olas tienen muchas hermanas. Las gaviotas gritan porque tienen miedo de caerse.

Por la ventana veo cómo el mar se lleva otra casa de un balneario que está cerca. El mar no me da miedo. Es gris y amarillo. ¿Por qué será que todo el mundo cree que el mar es azul?

El mar se lleva las ventanas y la puerta. Tengo ocho años y no le tengo miedo, al contrario. Cuando hay creciente es mejor porque puedo jugar a los piratas.

El mar se lleva el techo. Se lleva una mesa y tres escalones. Si la creciente es muy fuerte, podría deshacer mi casa también, aunque es más grande que la otra, pero también es de madera, como todos los balnearios de San Clemente.

Hay un perro famélico que a veces anda por la playa y arrastra una pierna, unos milicos le dieron un balazo nomás para practicar tiro al blanco. Cada vez que lo veo me acuerdo de mi prima. Me pregunto si a mi prima le habrá dolido cuando la mataron.

No sé por qué, pero sé, que un día el mar se va a llevar mi casa. Y no va a quedar nada, ni los platos, ni mi ropa, ni mis padres. Me voy a quedar sola en medio del viento, sin zapatos, ni techo, ni mesa, ni perro. Sucederá, pero yo no le tengo miedo a nada.

Mejor jugar a los piratas, aprovechando que hay creciente y la casa se parece a un barco. Mi mamá tiene tanto miedo. Yo no.

El mar se lleva una puerta y la hace pedazos.

2012: Premios Ariel: 4 premios incluyendo Mejor película. 10 nominaciones
2011: Festival de Berlín: Oso de Plata – Contribución artística sobresaliente
2011: Festival de Mar del Plata: Selección oficial largometrajes a concurso
2011: Festival de Morelia: Mejor película

Online: https://youtu.be/vmpywJGZ9Pc

Campeones

Etiquetas

baloncesto, basquenbol, campeones, capacidades especiales, Comedia, discapacidad, españa, Javier Fesser

Campeones.
2018. Duración: 124 min. España. Dirección: Javier Fesser.
Comedia. Discapacidad. Baloncesto.

Marco, un entrenador profesional de baloncesto, se encuentra un día en medio de una crisis personal, entrenando a un equipo compuesto por personas con discapacidad intelectual. Lo que inicia como un problema se convierte en una lección de vida.

Divertidísima, retrata a personas que destilan humanidad, dignidad y generosidad. Sortea peligros como el ternurismo. Es una película extraña. En el buen sentido.

Los temas delicados y la comedia son dos características del cine de Fesser. Llega a los límites de un humor al que resulta imposible no sucumbir, a pesar de que seamos conscientes de la manipulación emocional. Es un emotivo retrato de nuestra discapacidad social.

Fesser aborda a unas personas (que no personajes) que se comen toda la pantalla sin necesidad alguna de ser actores profesionales. Sabe dónde colocarlos y cómo hacerlo. Es una buena muestra sobre cómo hacer cierto tipo de cine. No llega a ser ridícula, ni cursi, ni pedante, ni ñoña. No trata tampoco de engañar al espectador, ni meter una moralina en cada escena que la desvirtúe.

La valoro alto porque entrega todo lo que busco en una historia. Me sumergió en una emoción permanente, me hizo pensar al mismo tiempo que me botaba de la risa. Me ayudó a desconectarme y no me soltó ni un segundo durante dos horas.

El pianito y la música de fondo me sobran, así como la historia de pareja; mucho lugar común, fórmulas narrativas propias de Hollywood, pero…son muchas más sus virtudes. Obviamente el protagonista y todos los maravillosos actores secundarios. Un sentido del humor negro, blanco y marciano. Y aunque el mensaje es simple, conviene recordarlo de vez en cuando. Llega hasta el punto de querer salir a enmendar nuestros errores, mayores o menores, pero que todos de un modo u otro hemos cometido con quien es diferente a la mayoría y no hemos sabido ni aceptar ni apreciar.

Ideal para ver en familia.

Online: https://powvideo.net/upqplhum9r4z

Stalker

Etiquetas

1979, Andréi Tarkovski, Picnic Extraterrestre, Salker, Strugatski

Salker (en ruso, Сталкер), es una película soviética de ciencia ficción de 1979 dirigida por Andréi Tarkovski. Está basada en el libro Picnic Extraterrestre de los hermanos Arkadi y Borís Strugatski.

La película describe el viaje de tres hombres a través de un lugar postapocalíptico conocido como «La Zona», donde buscan una habitación que tiene la capacidad de cumplir los más recónditos deseos de una persona. El Stalker, guía a los otros dos hombres: el Escritor, y el Profesor.

En un país no especificado surgió una zona (llamada «zona de aterrizaje» según el libro) en donde corría el rumor, entre otras cosas, de que había caído un meteorito o había habitado sobre el lugar una civilización extraterrestre. La zona fue evacuada, cerrada y se encuentra resguardada continuamente por un fuerte cerco militar. Todo esto porque la mayoría de las personas que entraba a la zona no regresaba nunca.

Sin embargo, algunas personas, los stalkers, se dedican a llevar gente a la zona. El afán del Stalker es que los guiados libren los obstáculos, tengan fe, se encuentren a sí mismos y pidan su deseo profundo, no el superficial que se formula de palabra. Él no pide nada para sí. Le basta con llevar hasta allí a los desesperados. La jornada concluye, y él regresa a casa agotado, entre la comprensión amorosa de su mujer y los poderes telequinéticos de su hija mutante, un heraldo.

Es casi imposible ir sin un stalker, pues la Zona es casi únicamente naturaleza, y esta cambia a cada instante y sin previo aviso. Pero, ¿por qué la gente desea ir a un lugar en donde tiene posibilidades de acabar muerto? En la Zona hay una casa abandonada, en donde hay un cuarto en el que se cumplen los deseos de la gente que logra llegar hasta ahí y la mayoría de la gente que va es gente desesperada que busca la felicidad.

Este filme nos muestra la estética de Tarkovski con tomas largas, intensamente elaboradas, intercaladas con diálogos y poemas filosóficos. Ha sido considerada como una de las mejores películas de la segunda mitad del siglo XX. Tarkovski fue haciéndose consciente de las tesis cinematográficas de Vertov, según las cuales el cine es un arte que goza de su propia autonomía con respecto a otras artes como la fotografía, la música o la literatura.

Este proceso se fue plasmando progresivamente en sus películas, de modo que cada vez más las imágenes se desvinculan de una referencia exterior como pudiera ser una trama narrativa, o un relato mitológico, es decir, su cine cada vez se hace más autorreferencial; la fotografía, los planos, la dirección de actores, los sonidos rítmicos (que no sólo música) señalan más a sí mismos que a otra cosa, a sus propias condiciones de posibilidad dentro de la articulación conceptual que supone el montaje de una película.

¿Por qué procedió de este modo el ralizador ruso? Lo hizo porque asumió que esta especificidad cinematográfica debía de verse reflejada en ceder al espectador la obligación de construir él mismo el propio contenido semántico de las imágenes, y eso es, pienso, a lo que se refería Tarkovski cuando hablaba de “lo absoluto en la imagen”. Uno siente verdaderamente la necesidad de construir el contenido de Stalker en su interior cuando la ve, por eso, él se zafa de la posibilidad de haber hecho una película, sensible de error o acierto, sino que elabora la vía para que nosotros la terminemos de realizar en nuestro interior (¿stalkear?).

En este sentido, no realiza globalmente una película, sino que anima a los espectadores a que haga cada uno la suya; en esto radica para el realizador soviético la auténtica sinceridad que todo artista ha de tener para con la obra de arte, la de no involucrarse únicamente él en la misma.

Es una película hermosa y vibrante, pero entiendo que a la mayoría le resulte aburridísima. A Stalker no se llega a través de su innegable perfección técnica o en la búsqueda de sus muy diversas interpretaciones metacinematográficas, “cosmovisionistas”. Para mí es más fácil: hay algo en Stalker que tiene que ver más con lo sensitivo que con el puro análisis de cada uno de sus planos, un goce del tiempo similar al de la contemplación de la lluvia a través de una ventana, es como asistir a una cátedra de cinematografía de casi 3 horas, al final uno queda sensibilizado.

Películas como Animatrix (Más allá de la realidad) y Annihilation, están evidentemente inspiradas en Stalker. No recomiendo que la vean, es cierto que no es para todo público, pero si un día se cruza en su camino y tienen la suerte de enganchase, bienvenidos.

Tarkovsky, Stalker (1979) Subtitulos en español
https://www.youtube.com/watch?v=TGRDYpCmMcM

The Devil & Father Amorth

Etiquetas

Documental, El exorcista, The Devil & Father Amorth, William Friedkin

William Friedkin, director de “El Exorcista”, sigue a un anciano sacerdote de 91 años a un pequeño pueblo italiano donde practica exorcismos reales a una mujer.

Como persona escéptica y digamos “agnóstica” (aunque no es una palabra con la que me identifico es lo que más se acerca), mi curiosidad por estos temas siempre ha sido grande, así como el tratamiento dados por Friedkin y por William Peter Blatty (autor de las novelas El Exorcista y Legión) hacia un tema tan espinoso. El documental incluye comentarios de ambos, por supuesto.

La posesión demoníaca y los ritos empleados para combatirla, han sido desde hace décadas un tema recurrente en el cine de terror, y desde siempre ha suscitado suspicacias tanto dentro como fuera de la Iglesia.

El verdadero tema de ‘​’ es hasta qué punto la gente cree que ese exorcismo es real. Muestra hasta dónde llega la mística sobre el demonio.

Si no crees en esto, entonces la película está explotando a una joven con problemas mentales -su voz fue distorsionada en producción en pos de incrementar el drama-. Y si crees, es difícil no cuestionarse la estrategia del diablo.

Es sin duda una curiosidad para conversos en lugar de una exploración sustancial que ansiarían los escépticos (incluido yo), pero da bastantes cosas.

 

Online: https://ok.ru/video/953931467379

Womb (Clone)

Etiquetas

clone, enedek Fliegauf, Eva Green, Max Richter, Peter Szatmari, womb

Rebeca (Eva Green) regresa a la casa de sus abuelos, y vuelve a ver a Thomas (Matt Smith), su amor de la infancia. La atracción entre ellos es tan fuerte que Thomas se olvida de su novia para estar con Rebecca, pero posteriormente, él muere en un accidente de coche. La joven Rebeca, desolada, llega a pensar en el suicidio, hasta que encuentra consuelo en la idea de la clonación. Aunque la familia de Thomas no lo acepta, la idea de ella es dar a luz a Thomas, para traerlo de nuevo a la vida. La película inicia con una voz en off de una mujer diciéndole a su hijo que su padre se ha ido, pero que ellos iniciarán una nueva vida.

Pienso que lo único que debes saber de la trama es lo que has leído en la sinopsis. Es ciencia ficción nada convencional, que puede ser de temática fuerte. En cuanto al ritmo, para mí no es un tema, pero no dudo que sus casi dos horas a alguien le puedan causar dificultad, así como su mesura interpretativa que yo tildo como un detalle de alta precisión. La fotografía es bellísima. El guión plantea una serie de situaciones lo bastante poco habituales y polémicas, para que quieras saber hasta dónde van a llegar los personajes.

La música de Max Richter, es utilizada aquí de forma prudente, interviniendo sólo en los momentos justos. Música electrónica atmosférica y neo clásica, que incita a explorar más el trabajo de este artista, de quien incluso otros compositores como Jóhann Jóhannsson (Arrival, Sicario, La Teoría del Todo, María Magdalena), han utilizado sus piezas como parte del score de otras películas.

He leído que es imposible sentir empatía con los personajes. Bien, pues… hace tiempo que no veía personajes tan profundos. También que es aburrida. Bueno, si no te gustan las películas pausadas, ni le muevas. ¿Personajes insípidos? Se verán así, claro, cuando no se entiende qué tipo de filme estamos viendo.

Esta película tiene muchos, muchísimos puntos. Si la pones para analizarla, te cojeará argumentalmente de las cuatro patas. Después, sientes la grandeza emocional que tiene y se te olvida todo. Cuando una película provoca esto, no puedes más que dejar de criticarla y sólo vivirla. Y además, no se me pega la gana analizarla negativamente y ya.

Título: Womb (Renombrada “Clone” en su edición DVD europea).
Director / Escritor: Benedek Fliegauf. Fotografía: Peter Szatmari. Música: Max Richter. Año: 2010. Género: Sci-fi, drama.

Online: http://www.rinconcinefilo.com/womb-subsespanol-online-desc…/

Bajo La Rosa

Etiquetas

Bajo La Rosa, Josué Ramos, Ramiro Blas

Bajo La Rosa.
Dirección: Josué Ramos. España, 2017.

Sara, la hija pequeña de Oliver y Julia, desaparece camino a la escuela. Las horas pasan sin noticias de la niña, hasta que una mañana la familia recibe una carta de alguien que dice tener retenida a Sara y que no exige dinero, sólo quiere una cosa a cambio de entregar a la niña en el acto: ir a hablar con ellos esa misma noche.

Prueba que con poco presupuesto se puede hacer una película que atrape al espectador hasta el final. La falta de recursos técnicos es compensada con una puesta en escena sencilla y eficaz y un plantel de cuatro actores liderados por Ramiro Blas. La película es buena en gran medida gracias a este actor argentino, que con su actuación y presencia sustenta la película. Por absurda que parezca la historia, vale la pena llegar hasta la parte final del relato donde su personaje se rompe.

A los 20 minutos de empezar nos damos cuenta de que el director se va a ir por la vía de la provocación y del impacto psicológico, donde van a primar los golpes bajos por encima de todo, y al final nos van a decir algo que se sospecha desde el comienzo.

Estas películas donde un extraño invade la intimidad de una familia y la somete a pruebas crueles y sanguinarias, sin que sepan muy bien la razón, ya las hemos visto infinidad de veces (Funny Games, Naranja Mecánica, Knock Knock, The Strangers, The Purge, Los Bastardos, entre otras). La historia empieza como un drama costumbrista, pasando por el suspenso y tocando el terror con una buena dosis de humor negro. Algunas películas similares a esta son catalogadas como “home invasión”, un subgénero muy al estilo Haneke, -no de Hitchcock con quien se ha comparado a Bajo La Rosa-.

Tiene un par de escenas fuera de lugar, exageradas, o directamente no creíbles. Se va transformando por obra y gracia del director en un relato predecible. También hay que tener en mente que lo más seguro es que varios elementos que resultan desesperantes o poco convincentes (como algunas actuaciones o las reacciones de los personajes), fueron planeados así, con toda la intención de provocar reacciones de desesperación y molestia en el espectador.

En conjunto es una invitación colectiva a una fiesta endofóbica. Una buena pulida a ciertas ideas del guion hubiera sido genial para bordar la película. Tiene aciertos y errores pero atrapa hasta el último segundo.

The Shallows

Etiquetas

the shallows

Las películas con tiburones gustan y mucho. Esta tiene un ritmo de tensión elevado. La fotografía es magnífica, la actriz una agradable presencia en pantalla, y la banda sonora fue una grata sorpresa.

Se trata de una obra modesta, inteligente, efectista pero controlada. Bien dicen en el cine que si no tienes medios NO ENSEÑES. El miedo psicológico da más miedo y efectivamente la parte en la que más tensión pasé fueron los momentos en los que no sabía donde estaba el tiburón y no se veía.

Película minimalista (en pantalla sólo aparece una actriz, la mayor parte del tiempo). Collet-Serra ya maneja desde hace años impecablemente la intriga y la acción. Aquí, además, se rebela un consumado maestro del juego espacial.

‘The Shallows’ podría haber sido una película de serie B realmente divertida. Y en muchas formas lo es, una pena que esté un poquito demasiado aguada. El guión empieza típico y acaba siendo una americanada en toda regla. El truco de dotar a la chica de una historia lacrimógena sobre su madre y ya… vomitamos banderitas de EU.

Tiene estupendos planos aéreos y sobre el mar, además el sonido hace todavía más imponente a un tiburón blanco al que se le puede medir en hectáreas. Todo y que tiene una duración bastante ajustada, no puede evitar que se haga algo larga, tiene algunos errores que se pueden llegar a perdonar. La película sabe lo que es y lo que pretende y nunca da a entender que es algo más, y eso es algo a valorar.

No estuvo mal, maneja bien la tensión. Al final se vuelve demasiado loca e irreal en contraposición a cómo era en su primer tramo, son las cosas que dan rabia, porque van bien y de repente vemos que toman unos giros que dan ganas de decir: “No joder por ahí no tires”.

Al final es cine EEUU, pero termina rompiendo con algunos formalismos de siempre.

Otra película de tiburones moderna, buena y con tensión, realizada con mucha imaginación y talento, es “In The Deep”.